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EL GRUPO MÁS FAMOSO DEL ROCK PROGRESIVO DE LA TIERRA
Casi todo el planeta conoce alguna melodía, una portada o unas letras de Pink Floyd. "Another brick in the wall", "Money", la portada de la "vaca" (Atom heart mother), la del crsital con arco iris (Dark side of the moon), etc. En muchísimas casas hay en baúles, cajas o estanterías un vinilo antiguo de algún famoso disco de Pink Floyd. Hoy día es fácil ver jóvenes de menos de 18 años con camisetas del grupo. Es uno de las bandas que más millones de discos en el mundo han vendido. Su disco Dark side of the moon tuvo durante muchos años el récord de ser el número 1 en ventas en décadas seguidos. En total, se dice que han vendido más de 300 millones de álbums. Con todo esto, Pink Floyd es un Patrimonio de la Cultura Mundial. Si un alienígena llegara a la Tierra y quisiera darse cuenta cómo somos, cómo es nuestra cultura, cómo es y ha sido nuestra música, escuchará algo de Pink Floyd.
Es díficil etiquetar al grupo. Muchos prog fans debaten en acalorados foros si son prog sinfónico, que si son psicodélicos, que si son space rock... La mejor manera de definir Pink Floyd es que son... Pink Floyd, un sonido propio, inconfundible a todos los oídos. A lo largo de su historia fueron cambiando de estilo, siempre avanzados a toda la música contemporánea suya. Fueron influencia de miles y miles de grupos y artistas. Con su primer disco cambiaron la historia de la música. Sus conciertos desde mediados de los 70 a los 90 eran lo más impactante que alguien podía ver y oír. Construían unos híper-escenarios con un juego de luces que ningún grupo podía alzar la calidad. Eran shows que quedaban para siempre en la retina y oídos de los que tenían la suerte de verlos (como el redactor del blog, en Barcelona en el año 1987 aproximadamente, en la gira de A Momentary Lapse of Reason).
Por todo esto y por infinidades de grandezas, Pink Floyd estará siempre en las orejas, mentes y corazones de miles de millones de personas.
ORÍGENES
"Pink Floyd surgió en 1964 a partir de una banda llamada Sigma 6, que cambió su nombre sucesivamente a T-Set, Megadeaths, The Screaming Abdabs, The Architectural Abdabs y The Abdabs. Cuando la banda se separó, algunos de sus miembros (los guitarristas Bob Klose y Roger Waters, el batería Nick Mason y el tecladista Rick Wright) formaron una nueva banda llamada The Tea Set." (Wikipedia en español). Así explica muy bien la web como se formó el grupo. Luego se añadió Syd Barret a la guitarra y Waters pasó al bajo. En el Reino Unido los jóvenes escuchaban música americana blues, rhythm & blues y, gracias a la salida del disco Revolver de The Beatles, empezaron a escuchar unos nuevos sonidos que sería la semilla de la psicodelia. El grupo cambió su nombre por The Pink Floyd Sound, en homenaje a dos músicos que Barrett admiraba, Pink Anderson y Floyd Council. Además, el nombre ya le daba un toque psicodélico. Quitaron el artículo y "Sound" y el nombre definido para la posterioridad fue PINK FLOYD. En el año 1966 la banda era famosa en los círculos "underground" (movimiento artístico ajeno a los artistas convencionales de éxito) de Londres. Tocaban en salas entre ellas la importante UFO Club. Allí se gestó el movimiento psicodélico donde tocaron grupos como Tomorrow (grupo que tocó Steve Howe antes de entrar en Yes), Syn (grupo de Chris Squire antes de que formara Yes), entre otros grupos. Esta sala, más las otras, organizaban "performances" y crearon un carnaval psicodélico, que luego sería el famoso carnaval del barrio londinense de Nothing Hill, que aún se celebra. En ese año y el siguiente, 1967, Pink Floyd ya habían escrito varias canciones que luego formarían parte de su disco debut.
MIEMBROS
Roger Keith "Syd" Barrett (6 de enero de 1946 – 7 de julio de 2006)
Ya en su primeros años de adolescente tocaba la guitarra. En sus años de estudiante universitario en Artes y Tecnología, conoció a uno de sus mejores amigos, David Gilmour. En las otras facultades conoció a sus futuros compañeros en su viaje hacia la música profesional, Mason, Waters y Wright. Después de cambiar de nombre del grupo varias veces, crearon el mítico nombre Pink Floyd. Syd era el creador de los temas, la voz y la guitarra del grupo. Con el primer álbum al brazo y con las constantes actuaciones en clubs de moda londinense de moda psicodélica, Syd abusó de las drogas, sobre todo de la LSD. A parte, tenía una gravísima enfermedad mental, esquizofrenia. Sus actuaciones cada vez era más alocadas y bizarras. Al público en principio le parecía que formaban parte del show. Pero sus compañeros se dieron cuenta que estaba muy mal de salud y fue sustituido por su mejor amigo de juventud, David Gilmour en algunos shows. El segundo disco aún colaboró pero ya Guilmour estaba en la mayor del proceso del disco. Sus compañeros le "invitaron" a marchar del grupo. Aún así, Syd hizo algunos discos en solitario, alguno realmente notable, con excelentes letras, por ejemplo The Madcap Laughs de 1970. En el mismo año apareció el disco Barrett, menos inspirado. La vida posterior de Barrett fue cada vez más penosa. El que fue el artífice del sonido y letras el disco debut de Pink Floyd, el alma mater, influencia de una innombrable lista de músicos como David Bowie, toda la escena musical indi de los 80 y 90, etc., cayó en su horrible enfermedad. Se aisló en casa de sus padres para siempre hasta en sus últimas horas de su vida. Sólo salía comprar algo en las cercanías de su casa. Cayó completamente en el olvido de toda la escena música. Un día se acercó en los estudios de sus antiguos compañeros musicales, que estaban grabando el disco Wish you were here. Entró en la puerta de la sala de grabación y nadie lo reconoció por su aspecto deteriorado. Hasta que lo reconocieron. Fue el shock tan grande para ellos que todo el disco está dedicado a él. La canción epónima del disco es un homenaje a Syd. Los temas "Shine On You Crazy Diamond" de la cara A y B también lo son. En el disco The Wall el protagonista, Pink, es el alter ego de Roger Waters y también tiene mucho de la personalidad perturbada por la vorágine de las drogas, los conciertos de Syd Barret. A muchos amantes de la música se entristecen por la desgracia de ese gran artista que fue en tan pocos años y fue él quien realmente creó la banda planetaria que es Pink Floyd. Sin él no hubiera existido la banda, ni el primer disco que abrió en canal la escena musical en ese momento.
Nick Mason, Nicholas Berkeley Mason (27 de enero de 1944)
En los años de estudiante universitario, formó el grupo germen de Pink Floyd, Sigma 6, con Wright, Waters y más adelante Barret. Era el año 1964. Era el batería en los dos grupos. Su gran labor musical se basa estrictamente en los discos de Pink Floyd. Pero profesionalmente ha sido y es productor musical, piloto de carreras (es conocido por tener una enorme e increíble colección de coches exclusivos) y escritor. Su libro Inside Out: A Personal History of Pink Floyd, publicado en 2004, es uno de las mejores biografías y radiografías del grupo. Sobre todo en los primeros capítulos, explica con todo detalle los orígenes del grupo, los problemas con Syd, la psicodelia londinense, etc.
George Roger Waters (6 de septiembre de 1943)Su infancia y su vida de adulto quedó marcada por su muerte de padre en la 2ª Guerra Mundia (hechos que narraría en el disco The Wall). En sus años escolares conoció a Guilmour y Barret, que luego ya en sus estudios universitarios se reunirían para formar con Wright y Mason Sygma 6 y luego Pink Floyd. Guilmour se incorporaría más tarde. En sus primeros grupos tocaba la guitarra, pero con la incorporación de Barret, se pasaría al bajo. En los discos posteriores a Syd alternaba con Guilmour las voces de los temas. Ya en Animals y hasta Final cut, la mayor parte de los temas era cantados por él. Musicalmente tiene una trayectoría discográfica interesante:
1984 The Pros and Cons of Hitch Hiking: tiene un sonido y letras cercanos a The Wall. Eric Clapton es el guitarrista de lujo. Disco interesante pero algo repetitivo.
1987 Radio K.A.O.S.: Aunque pueda que sea el disco que más llegó comercialmente, es un excelente trabajo conceptual, con grandes temas, con la épica de The Wall, pero apartartándose al estilo. Es uno de sus mejores discos.
1992 Amused to Death: disco complejo, denso, muy interesante con partes excelentes. Es de sus mejores discos.
2017 Is This the Life We Really Want? Disco irregular con algún tema interesante.
Para muchos piensan que Roger Waters ha aprovechado en décadas del filón comercial de The Wall. Ha realizado inmensidad de giras presentando este disco junto algún tema de su carrera en solitario o de PF. Ha publicado discos en directo y dvds de estas actuaciones. Lo que se le critica es que hizo un parón compositivo y en muchos años ha realizado pocos discos en estudio. Hasta hizo una infumable ópera, Ça Ira (2005). Sus discos y en dvd en directo son:
1990 The Wall – Live in Berlin: cuando cayó el muro de Berlín, Waters organizó un macroconcierto en la ciudad y retransmitido en directo para todo el mundo con infinidad de artistas de lujo: Scorpions, Annie Lenox, David Bowie, Bryan Adams, Albert Fidney, etc. Fue un momento único para la Historia y para la Música. Los que lo vieron en directo tanto en Berlín como en la televisión lo recordarán para toda la vida.
2000 In the Flesh – Live: una muestra de la infinidad de giras mundiales tocando de manera espectacular con excelentes efectos temas de The Wall, de otros míticos del grupo y algunos de su carrera en solitario.
2015 Roger Waters: The Wall: Siguiendo con exprimir los beneficios de The Wall, volvió ha realizar giras mundiales como los que hizo años antes.
2019 Roger Waters: Us + Them: concierto documental con partes de la gira y filmaciones ficticias, siguiendo el filón de Pink Floyd. Fue de gran expectación cuando se estrenó en poquísimos cines en el mundo. Luego aparecería en dvd.
A parte de estos discos, ha realizado dos BSO:
1970 Music from The Body (con Ron Geesin): una curiosidad sin más, con algún tema cantado cercano a Pink Floyd acústico pero el resto son temas experimentales de este documental sobre el cuerpo humano.
1986 When the Wind Blows (banda sonora de varios artistas): de la maravillosa película de animación, Waters creó la mitad del disco unas composiciones brillantes y bellas.
Richard Wright, Richard William Wright (28 de julio de1943 – 15 de Septiembre de 2008)
En sus años de estudiante de universidad se juntó con Waters, Barret y Mason ya en los años 64. Era el teclista del grupo y con sus toques atmosféricos y experimentales fueron una de los símbolos del sonido Pink Floyd. La relación con Waters se iba deteriorando con los años. En el disco Animals no aparece en los créditos. Disgustado con el papel que jugaba Waters, no quiso colaborar en el siguiente disco, The Wall, aunque aparezca en los créditos. Luego aparecería en los shows del disco. Ya con The final cut no colaboró. Más tarde, con la salida de Waters en 1985, se reunió con sus antiguos miembros para realizar el disco A Momentary Lapse of Reason (1987). La banda sacó un disco póstumo en su fallecimiento con temas compuestos por él y con grabaciones de temas que tocó antes de su muerte. Un fatal y fulminante cáncer se lo llevó a la edad de 65 años. Sólo sacó discos en solitario: Wet Dream (1978) y Broken China (1996). También colaboró en algunos trabajos de David Gilmour. En David Gilmour in Concert (DVD) (2002) (como artista invitado) y en On an Island (2006), en dos temas.
David Gilmour, David Jon Gilmour (6 de Marzo de 1946)
En sus años estudiantiles fue amigo de Syd Barrett. Ya en la universidad no perdió de vista a su amigo y su grupo. Por su parte, tenía algún grupillo intrascendente. Su única aportación musical hasta entrar en Pink Floyd fue la colaboración de dos temas de una banda sonora de una película de Brigitte Bardot, Two Weeks in September. Fue a través de Nick Mason que fue invitado como músico extra al grupo cuando las circunstancias mentales y físicas de Barrett interferían en los conciertos. En el segundo álbum de Pink Floyd ya fue miembro oficial, sin dejar de estar presente Syd. Su guitarra es inconfundible, sello característico de Pink Floyd. Además, excepto en el primer disco, los temas del grupo cantados se alternan con su voz y la de Waters, también una característica del grupo. Ya a partir de The Wall hasta la marcha de Waters, su voz estaba en segundo plano. La reunión del grupo sin Waters hizo que los tres discos en estudio la labor de Gilmour fuera esencial. Su discografía en solitario es dilatada pero no tanto como Roger Waters. Sus discos son: David Gilmour (1978), About Face (1984), On an Island (2006) (el más interesante) y Rattle That Lock (2015) (no despreciable). También sacó dvds de sus giras, algunos impresionantes por el espectáculo escénico.
PINK FLOYD Y LA PSICODELIA
Para la historia de la música, los años 1966 y 1967 fueron cruciales en las dos lados del Atlántico: la costa californiana y el Reino Unido. Pero el grupo que encendió la mecha de un nuevo sonido, que luego se llamaría rock o pop psicodélico, fueron The Beatles. que en el año 1965 sacaron Rubber soul. Toda la escena musical planetaria pusieron los oídos en estos nuevos sonidos. Un disco que con su toque pop había nuevas sonoridades que serían la raíz de la música psicodélica. En 1966 The Beatles publicaron Revolver, donde ese nuevo sonido musical hizo que los grupos británicos y norte-americanos empezaran a interesarse.
En el otro lado del Atlántico, en Los Ángeles, el mítico grupo The Beach Boys, después de oír Rubber soul, publicaron uno de los discos más importantes de la historia de la música con toques pop y toques psicodélicos. Fue el famoso Pet Sounds. También en California, apareció un nombre importantísimo de la historia de la música: Frank Zappa. Este músico formó un grupo mítico, The Mothers of Invention. En este mismo año crucial, 1966, sacaron su primer álbum, Freak out! Aunque no está considerado propiamente psicodélico, sino más bien rock avant-garde (música rock de vanguardia intelectual no comercial). El disco era un conjunto de disonancias sonoras roqueras con toques psicodélicos y mucha experimentación. Por otro lado, el grupo folk rock The Byrds sacaron el disco Fifth Dimension ese año con incursiones importantes de rock psicodélico.
En el Reino Unido, los grupos undergrounds (los que tocaban en salas poco comerciales) estaban en total ebullición de experimentación. En salas como UFO Club era el sitio que en los años 1966 y posteriores tocaba toda la escena musical que estaba influida por la psicodelia de The Beatles, los grupos americanos, etc. Ya en altas esferas comerciales, había grupos que también adoptaron este nuevo sonido. El supergrupo Cream, con Jack Bruce
Eric Clapton (antiguo miembro de The Yardbirds and John Mayall & the Bluesbreakers) y Ginger Baker se gestó en esa época, que publicaron su disco debut, Fresh Cream. El trabajo contenía música rock con toques blues y psicodélicos. Para acabar de explicar todo este gran movimiento y esplendor musical, apareció en Londres un prodigio de la guitarra y composición, venido de su tierra natal, Seattle (estado de Washinton, EEUU). Era Jimi Hendrix. Empezó a tocar en salas de conciertos londinenses con la gran expectación de toda la esfera musical del momento. Miembros de Rolling Stones, The Beatles o el mismísimo Eric Clapton quedaron bocabiertos por esa ráfaga sonora, rock puro con estridencias sonoras a lo más psicodélico y experimental. Fue en Londres donde se hizo un nombre en letras de oro en la historia de la música.
En el año 1967, ya fue la consagración de la música psicodélica. Todos grupos se influenciaban mutuamente de costa a costa, de EEUU al Reino Unido. Fue el año que aparecieron los discos que consagraron un estilo musical y que influenció a los grupos y artistas vendideros, apareciendo posteriormente otros estilos musicales como el rock progresivo,rock electrónico, etc. Cream publicaron Disraeli Gears. The Beatles, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Jimi Hendrix formó su grupo The Jimi Hendrix Experience también ese año y publicaron su disco debut, Are You Experienced. En EEUU del mismo año la psicodelia estaba representaba en dos álbumes no propiamente del estilo, pero que tenían influencias. Dos discos importantísimos para la historia del rock y fueron legado para artistas futuros. Son los discos Forever Changes del grupo californiano Love y The Velvet Underground & Nico, la banda con mecenazgo del famoso artista Andy Warhol, autor de la mítica portada de la banana. Y por supuesto, Pink Floyd sacaron su primer disco The Piper at the Gates of Dawn. Todos estos discos son inmensos por su importancia en la historia de la música, en su calidad y porque fueron los artífices de este nuevo sonido psicodélico, unos con la vertiente pop, otros con la vertiente rock, otros con toques más propios de lo que sería el hard rock. Y con esta introducción de lo que pasó en la música entre los años 1966 y 1967 en la Tierra, se explica el sonido del grupo Pink Floyd. De esta manera se entiende el sonido de los primeros Pink Floyd y, a la vez, la importancia del grupo a los grupos coetáneos y posteriores, que echaron su atención a la música innovadora de la banda. Y así nacieron artistas, grupos, estilos, que sin Pink Floyd, la historia de la música igual hubiera sido otra.
Ya como formación fija (Barret, Waters, Mason y Wright), el grupo en los años anteriores a 1966, iban componiendo temas que luego aparecerían en el primer disco o en singles. Era la época de la efervescencia de la música psicodélica. En sus conciertos de los años 66 y 67, antes de la publicación de su disco debut, tenían temas que tocaban en directo y aparecieron posteriormente en singles, en su primer álbum o en recopilaciones. Temas como "Arnold Layne", el primer single en 10 de Marzo de 1967 con la cara B "Candy and a Currant Bun". El primer tema luego aparecería en el recopilatorio de la banda en el año 1971 Relics. El segundo tema no aparecería nunca, pero el interesante grupo progresivo norte-americano The Mars Volta en su disco The Bedlam in Goliath, en los bonus tracks lo editarían como cover. Otros temas que tocaban en directo y que fue el segundo single fue "See Emily Play" y "The Scarecrow" publicado en 16 de Junio de 1967. El primer tema saldría también en el recopilatorio Relics. El segundo tema aparecería en The Piper at the Gates of Dawn, que no apareció hasta el 5 de Agosto de 1967. Mientras, la banda hacía en sus conciertos largas improvisaciones de los temas compuestos ante el delirio del público, con diapositivas, juegos de luces alocadas.
THE PIPER AT THE GATES OF DAWN (1967) 1. Astronom y Domine (4:12), 2. Lucifer Sam (3:07), 3. Matilda Mother (3:08), 4. Flaming (2:46), 5. Pow R. Toc H. (4:26), 6. Take Up Thy Stethoscope and Walk (3:05), 7. Interstellar Overdrive (9:41), 8. The Gnome (2:13), 9. Chapter 24 (3:42), 10. Scarecrow (2:11), 11. Bike (3:21)
Este disco es uno de los más influyentes de la historia de la música. Su título proviene de la novela de Kenneth Grahame, El viento en los sauces. Con su música catapultó el sonido rock psicodélico y avanzaba otros sonidos que sería propios de estilos posteriores como el space rock y el rock electrónico. Fue grabado en el famoso Estudios Abbey Road (el mismo que trabajaron The Beatles) durante los meses de marzo a julio de 1967. Se publicó en versión monoaural en el 4 de agosto. Un mes después de publicó en estéreo. Los temas casi todos están escritos, compuestos y cantados por Syd Barrett. Hay dos temas cantados por Roger Waters, «Pow R. Toc H.» y «Take Up Thy Stethoscope And Walk». El resto, o son instrumentales, como «Pow R. Toc H.» y «Interstellar Overdrive», que también son los que están compuestos por toda la banda, o son cantados Barret a las voces de Waters o Wright. Los dos temas más significativos son el primer, Astronom y Domine, y sobre todo Interstellar Overdrive. En Astornom, se ve la característica de todo el disco y que será el estilo del grupo: una composición que con los efectos de sonido y los teclados de Wright crean un clima de música espacial. Crearon el grupo una atmósfera musical que influyó a miles de artistas. Sin este tema igual David Bowie no hubiera compuesto Space Oddity. Mason machaconamente da poderío al ambiente. En el disco en directo del grupo P-U-L-S-E (1995) hay una excelente versión. Esto demuestra la vigencia y la importancia que tiene la música del primer disco de ellos. Interstellar Overdrive es el tema más largo, 9 minutos y 41 segundos. Ya en sus actuaciones Pink Floyd aprovechaban al tocarla a alargarla hasta 20 minutos de improvisaciones, juegos de sonido. Toda una expectación. Empieza con riff guitarreros y luego va planeando una música con efectos sonoros a modo de música concreta (música elaborada en el año 1929 por Pierre Schaeffer que jugaba con efectos de cintas cortadas grabadas y mezcladas de manera arbitraria para crear un clima sonoro determinado). La grandeza de este tema es por la modernidad que supuso para la época y fue vital por el estilo posterior de la banda y influencia de la música rock coetánea y posterior. El resto del disco mezcla estilos oídos en estos dos temas y con estilo entre rock con toque folk, naíf, etc. Lucifer Sam es un tema que empieza con riff de guitarra que luego con la batería y el órgano va creando un clima atmosférico. El siguiente tema, Matilda Mother, canta Wright al unísono con Barret. La música es pausada al principio pero luego se luce Wright al órgano creando un clima psicodélico más los efectos de sonido. Flaming es un tema muy naíf, sobre la historia de dos niños, con efectos de sonido que le da un tono de canción como infantil. Pow R. Toc H. es un tema instrumental con toque muy psicodélico con partes de piano entre jazz-blues. Pero luego va avanzando los sonidos que luego repetirían con Interstellar: atmósferas espaciales. Take Up Thy Stethoscope and Walk tiene ritmo frenético a la voz, guitarra (que recuerda al disco The Velvet Underground & Nico). Wright también con sus teclados, Waters con su bajo van dando un tono machacón. The Gnome es otro tema al aire de canción infantil, sobre un gnomo. Chapter 24 es un tema pausado que luego el teclado le da sonidos siniestros .The Scarecrow es la historia de un espantapájaros. Con sonidos estravagantes Barret canta una melodia pausada que va acabando con una atmósfera más siniestra. El disco acaba con Bike que empieza como un tema con ritmo sencillo, pero luego en medio del tema aparece una composición de lo más parecido a la música concreta: mezcla de sonidos de todo tipo como relojes, sonidos de ganso, gongs, campanas, etc.
Un consejo final: para aquellas personas que desconozcan la música de Pink Floyd es mejor que se acerquen primero a su discos más famosos como Wish you were here, Animals o The Wall. Luego, si oyen su primer disco comprenderán cómo evolució la banda. Con The Pipper empezó todo: el sonido Pink Floyd, la música psicodélica, el rock espacial, el rock electrónico y el rock progresivo. Además, con las letras y composiciones de Barret (historias naíf de niños, espantapájaros, gatos, gnomos, etc. , artistas, que reconocieron la importancia de Syd y su mundo onírico, luego compondrían la música posterior de grupos góticos, indis, pops, etc.
A SAUCERFUL OF SECRETS (1968) 1. Let There Be More Light (5:38), 2. Remember a Day (4:33), 3. Set the Controls for the Heart of the Sun (5:28), 4. Corporal Clegg (4:12), 5. A Saucerful of Secrets (11:57), 6. See-Saw (4:36), 7. Jugband Blues (2:59) En la elaboración del disco, Barrett participó en un solo tema, Jugband Blues, compuesto en octubre de 1967 y cantado por él. Fue la única contribución al segundo disco, todo y que esté en los créditos. Ya en diciembre de ese año David Gilmour cogió las riendas de la guitarra y voz en las partes de Barrett en los shows y en las tareas de composición de A sacurerful... Entre enero y abril de 1968 compusieron los temas del disco, que se publicó en el 28 de julio de ese año. El hecho que Barrett ya no era el artífice de las composiciones y la entrada de Gilmour, el sonido del grupo cogió otro rumbo. Se iban apartando un poco de la psicodelia y experimentaban en atmósferas de rock espacial que iban perfilando lo que sería el sonido característico de Pink Floyd. Algunos consideran este trabajo como uno de los primeros progresivos de la historia del rock. El primer tema está compuesto por Waters, que canta junto Wright y Gilmour. Es un tema excelente por sus cambios de tempo, atmósferico y roquero, con un solo de Gilmour, uno de los sellos característicos de Pink Floyd. El tema va acabando en un planeo de juegos sónicos psicodélicos y una alusión al tema de The Beatles "Lucy in the sky with diamonds". Remember a Day está cantado y compuesto por Wright. Un tema algo melódico, pero durante el tema, la batería intermitente y los efectos de sonido le dan el toque psicodélico. El siguiente tema es uno de los mejores del disco y uno de los más importantes del grupo, Set the Controls for the Heart of the Sun. Está cantado y compuesto por Waters. Empieza con una atmósfera espacial con el susurro de Waters y la batería hipnótica de Mason. Además, los efectos de sonido, teclados le dan brillantez y una modernidad única. Set... aparece en nuevas versiones en el álbum de 1969 Ummagumma y en la película de 1972 Pink Floyd: Live at Pompeiie. En los dos casos son unas espectaculares interpretaciones. Corporal Clegg está compuesta por Waters, pero todos los miembros excepto Barret colaboran en las voces. El tema es poco interesante. Se narra la triste historia de un soldado de la 2ª Guerra Mundial. Hay en medio del tema un paradójico ritmo alegre y festivo, a semejanza de algunos temas de The Beatles en Sgt. Pepper's. Pero el siguiente tema ya es totalmente espectacular: A Saucerful of Secrets. El mejor tema del disco y uno de los mejores de la carrera de Pink Floyd. Compuesto por todos excepto Barrett, es una sinfonía de rock espacial con toques psicodélicos completamente instrumental de casi 12 minutos.Representa la experimentación al punto álgido del disco, con las sonoridades, uso de la música abstracta. La parte final con el órgano de Wright es de piel de gallina, uniéndose los coros de los miembros. See-Saw es otro tema compuesto y cantado por Wright que recuerda al tema Remember a Day pero de ambiente deprimente. En tema avanza con algún toque psicodélico. Jugband Blues, cantado y compuesto por Barrett es un tema pausado pero melancólico. La contribución de los efectos sonoros, los teclados, coros le dan el toque atmosférico. En medio del tema toca un grupo de músicos del Ejército de Salvación. En la letra se intuye la despida de él en el grupo.
En definitiva, este maravillos disco es un eslabón más de la carrera musical de Pink Floyd y para la música posterior. El grupo avanza a nuevas exploraciones con efectos sonoros que serán característicos a la banda. La incorporación de Guilmour es crucial por sus riffs, que más adelante en la historia del grupo serán marca de la casa. Barrett está presente de manera anecdótica. Pero su inspiración, su creatividad está en las almas del resto de compañeros. Fue él quien hizo que Pink Floyd, con el primer disco, diera alas a un monumento a la música que es Pink Floyd.
No se podría dejar de la portada porque es la primera creada por Storm Thorgerson, fundador de la compañía de diseño gráfico Hipgnosis, creadores de la mayoría de las portadas de la banda, como de infinidad de otras de discos míticos. En esta fabulosa web hay prácticamente todas las portadas de Hipgnosis y, claro, las para Pink Floyd: http://www.hipgnosiscovers.com/
Para oír el disco:
HACIA EL SPACE ROCK Y PROGRESANDO AL SONIDO PINK FLOYD
MORE (1969) 1. Cirrus Minor (5:18), 2. Nile Song (3:26), 3. Crying Song (3:33), 4. Up the Khyber (2:12), 5. Green Is the Colour (2:58), 6. Cymbaline (4:50), 7. Party Sequence (1:07), 8. Main Theme (5:28), 9. Ibiza Bar (3:19), 10. More Blues (2:12), 11. Quicksilver (7:13), 12. Spanish Piece (1:05), 13. Dramatic Theme (2:15)
El director Barbet Schroeder, fan del grupo y famoso por películas famosas posteriores como El borracho (1987), El misterio Von Bülow (1990), Mujer blanca soltera busca (1992), y Asesinato...1-2-3 (2002), rodó la película More, film con exteriores en Ibiza y Formentera, sobre la historia de un joven con problemas con las drogas, quiso que la banda sonora fuera compuesta por Pink Floyd. La música del film fue grabada entre enero de y febrero de 1969. Dos temas anteriores que eran un proyecto de una ópera rock llamada The Man/The Journey que no fraguó se incorporaron a la banda sonora. Son los temas «Green Is the Colour» y «Cymbaline». La película se estrenaría en mayo de 1969, pero dos meses después se editarían los temas para publicarse el disco en junio del mismo año. " Se terminaron 16 temas, de los cuales 13 se incluyeron en el disco. Los adicionales "Seabirds", "Hollywood" y "Theme (Beat version)" sólo pueden escucharse en la película." (Wikipedia en español). Es el primer disco del grupo que no colabora Syd Barrett. Casi la totalidad de los temas están compuestos por Waters, algunos con la colaboración del resto de miembros, excepto "A Spanish Piece" de Gilmour, un tema bastante intrascendente de toque flamenco donde Gilmour, cantante de todo el disco, toca la guitarra española y canta "borracho" en spainglish.
Es un disco no muy apreciado por muchos fans y crítica. Demasiado folk, pero que en realidad no lo es. Pero, para algunos es un enorme disco donde por primera vez hay cambios significativos del sonido general de la música de Pink Floyd. El trabajo alterna temas psicodélicos, pero también acústicos, rock, space rock y rock progresivo. Cirrus Minor empieza el álbum con unos sonidos de pájaros silvestres y va agrándose maravillosamente con la voz melancólica y la guitarra acústica, con el órgano impresionante de Wright. Un excelente tema. The Nile Song es puro proto heavy. Guilmour con su voz y riff crea un potente tema insólito por la innovación de la época un tema tan hard y potente. Toda la banda, bajo, teclados y batería apoyan el sonido duro de la canción. Crying Song es un tema melódico acústico con toque melancólico y misterioso. El riff de guitarra es característico de Pink Floyd. Up The Khyber es instrumental, donde se lucen Manson con solos de batería y Wright a los teclados incesantes. La atmósfera es psicodélica. Green Is the Colour es otro tema acústico con la guitarra acústica y el piano, de tono pausado. Cymbaline es diferente a como suena en la película. Es uno de los temas más preciosos de Pink Floyd. Acústica y con Wright al órgano en la parte final ampliando el sonido de manera solemne. Party Sequence es un tema tribal instrumental anecdótico muy breve con percusiones y sonido de una flauta irlandesa. Main Theme, también instrumental psicodélico con las sonoridades atmosféricas de la batería machacona, los planeos siderales de los teclados, con riff guitarrísticos. Un increíble tema que recuerda la brillantez del anterior disco. Ibiza Bar es un reprise del tema The Nile Song pero más breve. More Blues un blues instrumental, también intrascendente. Quicksilver es el típico tema instrumental psicodélico y con influencias de la música concreta. A Spanish Piece, ya comentado, Gilmour como curiosidad dice en la canción "Pass the tequila, Manuel". Dramatic Theme es como una repetición muy breve del anterior tema Main Theme.
Como conclusión, More es un excelente disco que inicía un cambio sonoro con amplitud de estilos como el rock, las partes acústicas, etc. que será la semilla de los grandes discos posteriores del grupo.
Aquí aparece el cartel de la película, un fotograma de la película que se escogería para la portada del disco y foto del molino de la portada, que está en Formentera. Es el Molí Vell de la Mola. La portada es de Storm Thorgerson de la compañia Hipgnosis.
UMMAGUMMA (1969) LP en directo: 1. Astronomy Domine (8:29), 2. Careful with That Axe, Eugene (8:50), 3. Set the Controls for the Heart of the Sun (9:12), 4. Saucerful of Secrets (12:48). LP en estudio: 5. Sysyphus, Pt. 1 (1:08), 6. Sysyphus, Pt. 2 (3:30), 7. Sysyphus, Pt. 3 (1:49), 8. Sysyphus, Pt. 4 (6:59), 9. Grantchester Meadows (7:26), 10. Several Species of Small Furry Animals Gathered Together in a Cave and Grooving with a Pict (4:59), 11. Narrow Way, Pt. 1 (3:27)12. Narrow Way, Pt. 2 (2:53), 13. Narrow Way, Pt. 3 (5:57), 14. Grand Vizier's Garden Party: Enterance, Pt. 1 (1:00), 15. Grand Vizier's Garden Party: Entertainment, Pt. 2 (7:06), 16. Grand Vizier's Garden Party: Exit, Pt. 3 (0:38)
Se publicó en el 7 de noviembre de 1969 como disco doble. El título proviene de una expresión entre los estudiantes de Cambridge como decir "I'm going back to the house for some ummagumma" ("vengo de la casa de hacer sexo"). Tuvo éxito de crítica y comercial. Pero hay que considerar que el segundo disco, el en estudio es el más complejo por su toque psicodélico y muy experimental. El primer disco es en directo (grabado entre Birmingham y Mánchester, 27 de abril y 2 de mayo). Los temas mayoritarios son del segundo disco, excepto el primer tema y segundo. Todas las versiones son más largas y espectaculares por la interpretación de los músicos e inspiración fenomenal. Careful with That Axe, Eugene fue la cara B del single Point Me at the Sky. Estos dos temas luego aparecerían en el recopilatorio Relics en 1971.
El segundo disco es en estudio y cada tema está compuesto por un miembro de Pink Floyd. Sysyphus, compuesto por Wright, es un tema instrumental experimental que narra las proezas de Sísifo para llevar arriba y abajo a la colina, como cuenta la mitología griega. El inicio es pomposo con los timbales y los teclados. En la siguiente parte hay un solo de piano relajado, donde Wright demuestra la excelente faceta como pianista y compositor, que es interrumpido por una explosión sonora de música psicodélica o a modo música concreta, como Pink Floyd tiene acostumbrados al público en todos sus discos anteriores. Vuelve la calma con los teclados y los sonidos de pájaros, también una parte experimental y como de música concreta, pero relajada. El tema acaba como el tema inicial, con una parte disonante y luego atronador como al principio. Grantchester Meadows está compuesto y cantado por Waters. Es un tema acústico con toques experimentales con sonidos de pájaros y de un ganso repetitivo. También es un tema bastante cinematográfico por la narrativa sonora, un paseo por el paisaje y los sonidos ambientales. Se oyen unos pasos y el ruido de una mosca que es finalmente aplastada. Several Species of Small Furry Animals Gathered Together in a Cave and Grooving with a Pict, también compuesto por Waters, es otro tema experimental con sonidos de animales y las voces dislocadas, completamente olvidable, a veces llega a ser insoportable. Narrow Way, compuesto por Gilmour, empieza acústico y con efectos de rock espacial. La segunda parte es rock psicodélico eléctrico, las dos partes muy interesantes. Acaba el tema con otra parte acústica cantada por Gilmour, también muy interesante, que tiene con la belleza y sonoridad que vimos en More y los posteriores discos. Finalmente, Grand Vizier's Garden Party, compuesto por Mason, es experimental con un principio relajado con el sonido de la flauta y percusiones. Luego ya la atmósfera cambia con grandes timbales, efectos de sonido psicodélicos, muchas percusiones y efectos sonoros. La parte final, corta, lleva a la calma con las flautas. Un tema irregular, por una parte instrumental estridente en la 2º parte.
Por ser un disco que tuvo mucho éxito en su momento, es irregular. No es el gran disco como More. La grandeza del Ummagumma es por la portada icónica, obra Storm Thorgerson de la compañia Hipgnosis, y por el primer disco, en vivo. Un vibrante ejemplo de unos mejores temas del grupo tocados con mejor vigor que en los discos en estudio. El segundo disco, sacando las partes instrumentales, tiene momentos interesantes como el tema cantado por Waters, Grantchester Meadows, un tema con musicalidad acústica vista en More y que veremos en los posteriores discos. Narrow Way es interesante por ser otro tema parecido al anterior comentado en sus partes acústicas y la parte eléctrica y psicodélica. De los temas instrumentales, el peor és Several..., una locura. El resto, son ejercicios de experimentación, algunos interesantes por esta atmósfera casi cinematográfica y narrativa. Es por esto que muchos directores de cine eran fans del grupo y colaboraron con ellos o quisieron colaborar. Antonioni en Zabriskie Point hay algunos temas de la banda, Barbet Schroeder en la película More (1972) y, más adelante, en El valle (1972), que el disco de Pink Floyd Obscured by Clouds. Más adelante, Alan Parker rodó The Wall con música del mismo disco. El mismísimo Stanley Kubrick, fascinado por la música del grupo de sus primeros trabajos, quiso que la suite Atom Heart Mother del disco epónimo (el famoso de la vaca) sonara en la película "La naranja mecánica". En el apartado de este disco se explicará la relación de Pink Floyd y Stanley Kubrick y la leyenda de que la BSO de "2001, una odisea en el espacio", en un principio había de hacerla el grupo.
En resumen, todo y ser un disco muy popular en su momento, con una maravillosa portada y un primer disco, ejemplar por las versiones en vivo, su segundo disco es irregular. Alguien puede pensar que se hizo de manera precipitada por exigencias de la productora. Aunque halla temas interesantes, como las partes acústicas de Waters y Gilmour, y el tema instrumental de Wright, pero de cierta calidad; el grupo demuestra su brillantez cuando componen juntos, como se ha visto en sus discos anteriores y posteriores.
UN PUNTO APARTE: EL DESASTRE DE LA BSO DE ZABRISKIE POINT
El consagrado director italiano Michelangelo Antonioni, famoso por La aventura, La noche, El eclipse, Desierto rojo, Blow-up, etc., propuso a Pink Floyd temas para una película, Zabriskie Point, junto a grandes artistas. Los mismos The Doors fueron excluídos de un tema para el film. El caso de PF fue peor: estuvieron mucho tiempo componiendo y grabando infinidad de temas que sólo tres fueron incluidos el el disco de la película. Por desgracia de los amantes del grupo no se pudo disfrutar de ese enorme trabajo. Pero posteriormente se editaron de manera no oficial como mínimo dos discos con la mayor parte de los temas de Pink Floyd, donde demuestran su calidad compositiva e interpretativa.
Éste el cartel de la película:
No pondré el enlace para oír la BSO de película, porque en otro enlace se puede oír los tres temas oficiales. Ésta es la portada original de la BSO, pero la música que suena en la película varía del disco oficial de la BSO., .
La BSO tuvo este track list:
-The Pink Floyd* Heart Beat, Pig Meat 3:09
–The Kaleidoscope* Brother Mary 2:38
–The Grateful Dead Excerpt From Dark Star 2:30
–The Pink Floyd* Crumbling Land 4:12
–Patti Page Tennessee Waltz 3:02
–The Youngbloods Sugar Babe 2:10
–Jerry Garcia Love Scene 7:04
–Roscoe Holcomb I Wish I Was A Single Girl Again 1:53
–The Kaleidoscope* Mickey's Tune 1:38
–John Fahey Dance Of Death 2:39
–The Pink Floyd* Come In Number 51, Your Time Is Up 4:57
Éstas son la portada y contraportada de una edición no oficial de algunos de los temas que fueron excluidos por Antonioni. El disco se llama "Pink Floyd The complete Zabriskie Point sessions".
Apareció otro disco no oficial, A total of view - Zabriskie Point. Abajo están la contraportada y portada de una edición no oficial más completa con los temas de BSO y muchos más que fueron excluidos en la película.
El primer CD consta de estos temas:
1-1 Heart Beat, Pig Meat 3:10: Contiene pasajes psicodélicos con sonido potenente cercano al dark.
1-2 Country Song 4:40: Tema acústico cantado por Guilmour con momentos enérgicos eléctricos. Es uno de los mejores temas.
1-3 Fingal's Cave 1:54: Es un rock algo enérgico.
1-4 Crumbling Land 5:55: Tema acústic aires folk con momentos space y sonidos de coches finales. Otro de los temas más interesantes.
1-5 Alan's Blues 5:44: Blues eléctrico instrumental.
1-6 Oenone 6:51: Tema instrumental psicodélico y space que se hace algo largo.
1-7 Rain In The Country 6:53: Acústico i eléctrico con suavidad, pero luego se vuelve space con toda la banda, con alternancia del pasaje acústico y space hacia el final. Otro de los buenos momentos.
1-8 Come In Number 51, Your Time Is Up 5:02: Tema space con voz femenina de fondo, que tiene la pecularidad de tener una parte del tema Careful with the Exe, Eugene (que apareció en Ummagumma), con el grito psicodélico famoso. Otro gran momento.
The Extension - The Main Outtakes (39:10)
1-9 The Violent Sequence 6:23: Tiene una parte que aparecería en el tema Us & them de The dark side of the moon. Empieza con el piano una melodía suave que se va repetiendo. También otro de los buenos momentos.
1-10 Country Song Theme (Band) 2:12: Varía a la anterior versión con la banda con riff de guitarra que no son característicos de Guilmour. Otro gran momento de esta colección de temas.
1-11 Country Song Theme (Acoustic) 1:18: Variación del tema anterior, acústico al piano con diferentes partes vocales.
1-12 Take Off (Version II) 1:11: Acústico con aire folk con partes de Crumbling Land.
1-13 Love Scene 1 (Organ & Guitar) 6:37: Pieza melódica suave con aires space e hipnótica.
1-14 Love Scene 3 (Band) 7:51: Versión anterior con la banda también space, hipnótica y psicodélica.
1-15 Love Scene 4 (Piano & Vibes) 6:55: Versión anterior con toques jazzies.
1-16 Love Scene 5 (Double Vibes) 6:44: Versión más ambient.
El segundo CD consta:
Other Outtakes
2-1 Country Song (Full Mix) 5:57: Variación más mejorada de la del CD1, con voz de Guilmour espléndido y riff de guitarra más largo.
2-2 The Violent Sequence (Us And Them Rick's Demo) 5:39: Como dice el título, tiene la parte del tema de TDSOTM parecido a la del CD1.
2-3 Take Off (Version II) And Crumbling Land (Film Version) 1:50: Mix de dos temas. La versión que aparece en la película es una variación más roquera, aunque con parte acústica y folk pero más corta que la del CD1.
2-4 Crumbling Land (Full Mix) 5:13: Otro gran momento de la colección. Une las dos versiones, con la melodía de la anterior y con la de la versión CD1.
2-5 Love Scene 6 (The Blues) 7:26: Toque blues con piano y batería.
2-6 Love Scene 6 (The Blues - Full Mix) 7:27: Como el anterior pero más largo, que no parece Pink Floyd sino una banda de blues.
2-7 Love Scene 2 (Oenone - Full Mix) 6:56: Como el anterior pero ya con toque psicodélico por los gritos, risas de fondo, toques space de los teclados y las guitarras, más largo.
2-8 Love Scene 4 (Piano Only) 6:45: Variación de los temas anteriores sólo con el piano a modo de música contemporánea.
2-9 Rain In The Country (Unknown Song - Alternate Version) 6:00: Variación del tema del CD1 menos roquero ni tan space.
2-10 Rain In The Country (Unknown Song - Full Mix) 7:00: Similar al tema anterior.
A Special Outtake
2-11 The Christmas Song 2:05: Tema anecdótico cantado por Waters, con tono humorístico o irónico.
Official Soundtrack Version
2-12 Crumbling Land (Soundtrack Edited Version) 4:13: Parecido al tema 4 del CD2.
Film Versions
2-13 Heart Beat, Pig Mear (Film Version) 2:49: Como el tema 1 del CD1.
2-14 Crumbling Land (Film Version) 0:44. Versión muy corta por la calidad de las otras versiones.
2-15 Come In Number 51, Your Time Is Up (Film Version) 5:06: Es la escena final de la película, con una versión del tema del CD1, más roquera esta vez, con el sonido abrupto del coche y el grito de Careful with the Exe, Eugene. El director de la película oyó este tema de Ummaguma y se le quedó a la cabeza ese grito. En la película quería de todos modos que sonora y por eso contactó con Pink Floyd para componer temas.
2-16 Come In Number 51, Your Time Is Up (Movie Trailer Version) 1:40: Versión reducida del tema anterior, con el famoso grito más corto.
ATOM HEART MOTHER (1970) 1. Atom Heart Mother (23:51) : - a) Father's Shout, - b) Breast Milky, - c) Mother Fore, - d) Funky Dung, - e) Mind Your Throats Please, - f) Remergence, 2. If (4:24), 3. Summer '68 (5:26), 4. Fat Old Sun (5:17), 5. Alan's Psychedelic Breakfast (12:56) : - a) Rise and Shine, - b) Sunny Side Up, - c) Morning Glory
El disco se hizo muy popular y es de los más conocidos del grupo por la mítica portada, creada por Hipgnosis. Se la conoce por "el disco de la vaca". Se publicó en el 2 de octubre de 1970 y llegó en el número 1 de ventas del Reino Unido. Para alguna crítica y seguidores de la banda es un disco desafortunado. Para los mismos miembros, Gilmour y Waters, lo repudian. Pero para muchos es uno de los primeros grandes trabajos, sobre todo por la fenomenal suite de 23 minutos. El primer trabajo donde hicieron una composición puramente de rock progresivo, incluso de rock sinfónico. La rareza del título y de la portada fue todo causal y precipitado. Roger leyó una noticia en la prensa que una mujer dio a luz antes que le pusieran un marcapasos atómico. Luego, por órdenes del grupo, que quería una imagen para la portada muy convencional y nada psicodélica, el fotógrafo de la compañía de diseño hizo una serie de fotos de lo primero que vio en la campiña británica, y era una vaca, que se llama Lulubelle.
El primer tema fue interpretada junto una orquestra, primero dirigida por Ron Geesin (el mismo que compuso con Roger Waters el primer disco en solitario, una banda sonora del documental "The body", pero la acabó John Alldis. Es uno de los primeros ejemplos de unir rock y partes orquestales en la historia de la música y uno de los mejores temas de este tipo. Es un claro ejemplo que Pink Floyd estaban evolucionando y haciendo rock progresivo con toque sinfónico. La parte orquestal empieza al inicio del tema con instrumentos de viento mezclado con efectos sonoros (caballos, un coche que arranca) típico del sonido Floyd. Luego los miembros del grupo van incorporándose. Primero los teclados espaciales de Wright y luego la guitarra eléctrica de Gilmour. La orquestra está presente en ese instante con los instrumentos de cuerda (violines, etc.). Esa enorme suite alcanza su momento álgido con los coros acompañados de Wright en primer plano y poco a poco se añade el grupo. A mitad de la composición los protagonistas son Pink Floyd, que interpretan una brillante parte que luego sería muy característico del siguiente disco, Meddle. El sintetizador suena rabioso con riffs eléctricos de David. Después de una parte más "space" en los teclados, los coros vuelven cantando una parte extraña. Llega el gran clímax con la banda y la orquestra a los vientos. Después de esta poesía sonora, viene la parte psicodélica con efectos sonoros, la banda con distorsiones de sus instrumentos. La orquestra vuelve con una parte psicodélica y luego vuelven a tocar la parte inicial de la suite. El final de la composición es la repetición de la parte central del tema con orquestra y grupo acabando de manera apoteósica. "If" es un tema compuesto por Waters y hace referencia a su baja autoestima. Es una canción bella acústica y melódica, de las mejores compuestas por el grupo de este tipo. Luego se añade el piano y la guitarra eléctrica planeante. Summer '68", escrita y cantada por Richard Wright, que es un crítica a la forma de vida de los músicos rock. Empieza con un solo de piano para que luego cante el músico. Es un tema melancólico pero que luego se transforma en algo más estridente. También colabora la orquestra con los instrumentos de viento (trompetas...). Estas dos partes de alternan durante la composición. Lo curioso del tema es que hay algún fragmento del primer tema. En general, no es mucho mejor que el anterior tema, pero no deja de ser notable. "Fat Old Sun" es una balada con folk y algo blues escrita por Gilmour con riff característico por él. De manera melódica y acústica, en segundo plano se incorporan el resto de la banda. Gilmour se luce en un solo de guitarra eléctrica. "Alan's Psychedelic Breakfast" es el tema psicodélico del disco, como su título indica. Es una experiencia sonora con los sonidos ambientales de un hecho doméstico cotidiano: realizar un desayuno. Se oye el goteo del grifo, la cerilla para prender fuego, mientras se oyen diálogos. Es la cocina de Mason. Luego se incorpora la banda poco a poco, el piano, la batería, la guitarra eléctrica. Esta parte es bella. Luego suena la tetera con más diálogos. Sonidos de platos... escenificando un desayuno. La verdad que no tiene gran interés ni mucho mérito. Sólo es una rareza. Tampoco es para indicarlo como una parte psicodélica. Más tarde la guitarra acústica y en segundo plano la etérea guitarra eléctrica dan melodía y belleza al extraño tema. Vuelve los efectos sonoros y se repite un fragmento del principio con la banda, que va finalizando en el tema con una composición entre melódica y hasta prog. Finaliza el tema como empezó, con los sonidos ambientales de la cocina.
En conclusión, Atom hear mother es un gran disco, con una obra maestra que es la larga suite. La segunda cara es interesante por su belleza acústica de algunos temas. Alguno es menos notable pero muy agradables e interesantes. Es el último tema que le da el toque irregular. Un poco snob a los oídos de hoy. En su momento debería estar considerado una experiencia moderna. Compositivamente, el tema tiene pasajes instrumentales espléndidos.
Como colofón, he aquí unas curiosidades cinematográficas sobre este disco:
Stanley Kubrick, el genial director de "2001, una odisea en el espacio", cuando oyó el disco, quiso que la suite formara parte de la BSO de "La naranja mecánica", pero quería poner extractos aleatorios. Esto no le gustó a la banda y se negaron. Lo curioso es que en una escena que pasa en la película, donde hay el interior de una tienda de discos, en un plano se ve la portada del disco.
Aquí hay las imágenes de la escena de La naranja mecánica. En la primera foto, se ve en la columna izquierda, en el cuarto disco por arriba está "Atom heart mother". En la segunda foto, está portada señalada con el número 2.
Añós después, Roger Waters pidió a Kubrick usar la voz del ordenador de 2001, HAL , para el tema de su disco Amused to Death, "Perfect Sense – Part I". Como venganza de la negativa de Pink Floyd sobre la incorporación de la suite en "La naranja mecánica", el director se negó. Pero en una reedición posterior, muerto el director, Waters incluyó en el tema "unas frases de la película "2001: A Space Odyssey", ya que en el disco original, estaban al revés", como una revenganza a Kubrick difunto. Concluyendo sobre la relación de Stanley Kubrick y Pink Floyd, hay una leyenda que corrió sobre el interés del director para que la banda realizara la BSO de "2001". En este enlace que se incluye abajo, explica con detalle la falsedad de la leyenda: con los testimonios de familiares del director y de miembros del grupo, que se dice que nunca fue verdad, ni uno ni otros tenían interés ni se acordó ninguna propuesta. Éste es el enlace, que también habla del caso de La naranja mecánica y del disco Amused to Death. http://www.2001italia.it/2014/12/investigating-myths-around-2oo1-pink.html?fbclid=IwAR3BWGUsMvIPb1KXt-2-zs7fJ6rrPx7oklemMia9kfEvxKx93LYUm-HuB9s 
MEDDLE (1971) 1. One of These Days (5:56), 2. A Pillow of Winds (5:13), 3. Fearless (6:08), 4. San Tropez (3:43), 5. Seamus (2:15), 6. Echoes (23:27)
Se grabó y produjo desde enero a agosto de 1971, y se publicó en 31 de octubre de 1971 (EE.UU.) y en 13 de noviembre del mismo año en el Reino Unido. Tuvo mucho éxito en el país de sus miembros y no tanto en EEUU por la mala publicidad. El proceso de grabación fue completamente aleatoria. Empezaron con "Echoes" del cual no tenían ninguna base los músicos. En los estudios, cada miembro iban experimentando bajo una idea base. Luego con multipistas fueron acabando el proceso de la elaboración final. Siguiendo el orden del disco, la cara A empieza con "One of These Days", compuesta por todos los miembros con el bajo de Waters omnipresente. Mason frasea en el tema. Es un tema propiamente progresivo y la banda deja de banda el rock psicodélico. Fue uno de los temas que presentaban al inicio de los shows y un clásico del grupo. Ya el inicio es hipnótico con el susurro del viento y luego el bajo percutor que va dando forma a la atmósfera. Los teclados se unen para después estallar los riff, eléctricos de Gilmour. La banda a mitad con la voz distorsionada de Mason estalla con un rock progresivo de antología. La joya acaba como el inicio, con el susurro del viento. "A Pillow of Winds", compuesta por Waters y Gilmour, cantado por éste, es un tema acústico inspirado en las vacaciones en sur de Francia con las mujeres de Waters y Mason. Un tema delicado, bello y melódico. La guitarra acústica y eléctrica es fantástica. «Fearless», compuesto a dúo por Waters y Gilmour, y cantado por éste, es un tema acústico en el cual se oye durante la canción la afición del Liverpool F.C. Otro ejemplo de composición acústica y melódica, más alegre que la anterior. Al final ya los hinchas se oyen coreando al Liverpool. Tuvo cierto éxito entre los fans del grupo. Como curiosidad, Fish el compositor y ex cantante de la magistral banda de rock progresivo Marillion, sacó un álbum de covers, llamado Songs From The Mirror (1993), y contenía una versión de "Fearless", más eléctrica, pero brillante. Aquí se puede oír: https://www.youtube.com/watch?v=2QpEeNLw7co
«San Tropez» también está inspirado en las vacaciones en el sur de Francia y es un tema relajado y alegre con toques jazz. Fue compuesta íntegramente por Waters, que también la canta. No es tan brillante como los dos temas melódicos anteriores, que son maravillas, pero es notable y pegadiza. El tema va acabando con el fraseo de piano de Wright. "Seamus" es un blues con la participación de los aullidos de un perro. Compuesta por todos los de Pink Floyd, la canta Gilmour. Es un tema anecdótico por su curiosidad. El perro lo hace fenomenal. En la película Live at Pompeii (1972), de la cual se hablará más adelante, este tema aparece en vivo pero sin público, con otro perro y con otra versión llamada «Mademoiselle Nobs». Aquí os dejo el fragmento de la película que canta el otro perro. https://www.youtube.com/watch?v=a90vXD9Kllk . En la cara B, está el tema "Echoes", el tema más ambicioso y para muchos el mejor de la banda. Es un ejercicio de composición de todos los miembros con efectos de sonidos etéreos, de space rock, que acercan al sonido de sus posteriores discos. Uno de los más largos de Pink Floyd (23.31 min), sólo superado por "Atom Heart mother" y las dos partes juntas de "Shine On You Crazy Diamond" (Parts I–V y VI-IX). El inicio es atmosférico y melódico con la guitarra y la voz de Gilmour. Poco a poco el tema va avanzado con más potencia con la banda y los riff eléctricos floydianos. Es un pasaje entre acústico y luego se va transformando en rock progresivo. Es el leitmotive del tema. Al minuto 7 aprox. cambia el tempo, totalmente progresivo, con la parte instrumental. Fraseos de eléctricos, los teclados y va acabando esta parte con sonidos space rock algo psicodélicos. Sonidos extraños. Como de ballena. Y se alterna los sonidos de pájaros. Después viene la parte el "ping" de los teclados y que se une la banda "in crescendo". De antología. De piel de gallina. Este tema puede definir perfectamente el sonido característico de la banda por antonomasia. La parte final de la joya musical viene marcada por la parte cantada de Gilmour de inicio y con la banda dando fuerza ese leitmotive de "Echoes". Ya en los últimos minutos va decayendo los sonidos para acabar con los sonidos profundos de ese mundo imaginario creado por Pink Floyd: un eco sonoro como de las profundidades del océano. Magistral.
En definitiva, para muchos es uno de los mejores discos de la historia de Pink Floyd. Sólo por "Echoes" se merece el honor de joya del rock y, por supuesto, del rock progresivo. La primera cara es excelente también, por la magistral "One of These Days". El resto de temas de la primera cara son muy bellos y notables, exceptuando la curiosa "Seamus", pero es divertido oír como canta de bien el perro.
No hay que acabar sin hablar de la portada del disco, de Storm Thorgerson, es una oreja bajo el agua, aunque cuesta distinguirlo. No es de las más llamativas del grupo con Hipgnosis, pero al ser un gran disco, todo el mundo la conoce.
OBSCURED BY CLOUDS (1972) 1. Obscured by Clouds (3:05), 2. When You're In (2:31), 3. Burning Bridges (3:30), 4. Gold It's in the... (3:08), 5. Wot's... Uh the Deal (5:09), 6. Mudmen (4:18), 7. Childhood's End (4:33), 8. Free Four (4:16), 9. Stay (4:07), 10. Absolutely Curtains (5:51)
El disco fue grabado en Francia entre febrero y marzo de 1972. Tuvo éxito en el Reino Unido. Pero fue un cambio estilístico de los anteriores discos. Los temas en general son cortos y de estilo acústico, con toque blues y flock y estilo rock convencional. Nada de psicodelia y progresivo. Es por eso un bajón de calidad después del fenomenal Meddle. No es que sea un mal disco, pues los temas son interesantes y de calidad, pero si no llevara la firma de Pink Floyd, sería un notable disco de rock de un grupo menos popular que ellos. El disco fue concebido como banda sonora para la película francesa El valle, dirigida por Barbet Schroeder, el mismo de la película More, que ya Pink Floyd hizo la BSO, pero con mejores resultados artísticos. En la película no se oye lo mismo que el disco "Obscured by clouds". Éste el cartel de la película:
El director explicó el grupo una síntesi de la trama de la película (una historia hippie como en More) y poco más. Pink Floyd compuso los temas en poco tiempo, ya que estaban más atareados a su siguiente disco, Dark side of the moon.
"Obscured by clouds" empieza con el tema epónimo compuesto, por Waters y Gilmour y es un tema instrumental. Mason toca una batería electrónica. Es un magnífico tema que recuerda los sonidos de "Echoes" y "One of These Days" de su anterior disco, "Meddle", como de los discos futuros. Los omnipresentes riffs de Gilmour y el ambiente hipnótico, rítmico de Mason y los teclados aéreos de Wright son signo de la casa. "When You're In", también instrumental, pero compuesto por toda la banda, es de estilo similar al anterior, pero más roquero. Los teclados son más contundentes. "Burning Bridges", compuesto por Wright y Waters, y cantado a las voces de Gilmour y Wright, tiene un melodía suave al órgano. Es un tema del estilo de la cara A de "Meddle", a partir del segundo tema, canciones melódicas, acústicas. Agradable de oír, pero le falta brillantez. El siguiente, "Gold It's in the...", lo canta Gilmour, que lo compuso junto a Waters. Es rock alegre y pegadizo, estilo que no estamos habituados con el grupo. No es que sea un mal tema, pero desentona en el estilo general del grupo y del disco. Se supone que igual tiene sentido en el contexto de la BSO de la película. Los riffs son de rock clásico de finales de los 60 y principios de los 70, como grandes bandas como Cream, Led Zeppelin, etc. En todo caso, no está nada mal. . "Wot's... Uh the Deal?" y es un tema acústico cantando por Gilmour, muy bello. Está compuesto por él y Waters. Es más notable que "Burning...". Tiene algo de The Beatles. En medio del tema se luce Wright al piano. Después Gilmour hace un pequeño solo eléctrico. El tema acaba de manera melódica acústica como el tono general de la canción. "Mudmen" es otro tema instrumental compuesto por Wright y Gilmour. Tiene una melodía similar al anterior tema, «Burning Bridges». Varía por las interpretaciones de Wright al órgano y la batería de Mason. Gilmour hace un riff eléctrico brillante. En general es mucho mejor que el tema del que tiene consonancia, "Burning". "Childhood's End", compuesto y cantado por Gilmour. Empieza space con los teclados. La parte inicial de batería se cogió para "Time" del siguiente álbum. Es un tema rockero que recuerda al tono de sus discos posteriores. Gilmour vuelve con otros grandes riffs elétricos. La letra de la canción está influenciada por la novela del mismo nombre de Arthur C. Clarke. Sigue el disco con "Free Four", compuesto y cantado por Water. Cuenta la parte autobiográfica de la muerte de su padre en la Segunda Guera Mundia y su trauma, un tema recurrente en los discos posteriores "The Wall" y "Final cut". El tema tiene unos riffs de Gilmour ligeramente diferentes a los acostumbrados, mucho más duros y parecidos al anterior tema "Gold". Pero el tono general es algo alegre y pegadizo. "Free four" fue single del disco. La penúltima canción, "Stay" está compuesta por Wright y Waters, y la canta el teclista, una balada amorosa intrascendente sobre una groupie. Lo más interesante son los toques de guitarra de Gilmour. Cierra el disco algo mejor que muchos temas anteriores con «Absolutely Curtains», un tema instrumental compuesta por toda la banda, que en la parte final tiene los coros con la lengua de la tribu indígena de Nueva Guinea, los Mapuga. Empieza muy space con los teclados. Pero se interrumpe la tranquilidad sonora con un grito. Después el tema va acabando con los teclados que son solapados con el coro indígena.
En definitiva, aunque no fue un disco que fuera muy bien valorado por los fans y la crítica, y que no llega a la brillantez de "Atom" y Meddle, es un notable disco y con algunos temas que serán muy influyentes al sonido posterior de Pink Floyd. Es importante recalcar que Gilmour con su guitarra eléctrica va creando su estilo más roquero, que sonará en los discos más famososo próximos.
LA CUMBRE DE PINK FLOYD: ÉXITO Y LA MAYORÍA DE SUS OBRAS MAESTRAS
Pink Floyd ya eran un grupo famoso en 1972. Desde sus inicios habían explorado nuevos sonidos innovadores: la psicodelia en su primera etapa con Barret en el 1967 y en el 1968 sin él, el space rock a partir de 1968, el rock eléctrico y acústico con toques folk o blues con el "More", el progresivo sinfónico con el "Atom heart mother" y "Meddel" entre el 1979-71. La banda estaba preparada para crear su estilo propio que le haría famoso en sus próximos discos, una suma de algún toque psicodélico con atmósferas determinadas space con una base progresiva que aunaba rock, blues y acústico. Así nacieron la tríada de unos de sus mejores discos. Con estas obras maestras Pink Floyd se convirtió un grupo de éxito planetario que llenaba estadios y sus miembros se hicieron multimillonarios.
THE DARK SIDE OF THE MOON (1973) 1. Speak to Me (1:16), 2. Breathe (2:44), 3. On the Run (3:32), 4. Time / Breathe (reprise) (7:06), 5. The Great Gig in the Sky (4:44), 6. Money (6:32), 7. Us and Them (7:40), 8. Any Colour You Like (3:25)9. Brain Damage (3:50), 10. Eclipse (2:04)
Es el primer disco conceptual de la banda y se publicó en EEUU en el 1 de marzo de 1973 y en el 24 del mismo mes en el Reino Unido. La idea del disco se gestó en 1971 de la mente de Roger Waters, que quería un trabajo que expresara pensamientos de los músicos (la avaricia, el paso del tiempo, la muerte...), de la enfermedad mental de Barret, etc. En esa época componían demos (temas de prueba del futuro disco) y algunos antiguos temas de discos anteriores fueron la base de algunos temas finales. Se presentó una base del futuro disco en giras llamada "Dark Side of the Moon Tour". También se presentó delante de periodistas antes de su publicación. Esto sirvió para perfilar en la grabación final. Mientras el grupo sacó "Obscured by clouds" y la película "Pink Floyd: Live at Pompeii", hubo sesiones de grabación entre el 24 de mayo y el 25 de junio de 1972. En enero de 1973 volvieron a grabar. Los estudios de grabación eran los míticos "Abbey Road" (donde grabaron The Beatles "Abbey Road" y "Let it Be"). El técnico de sonido fue el famoso Alan Parsons (líder de la futura gran banda progresiva con toque pop-rock The Alan Parsons Project). El trabajo del proceso del disco fue con muchas pistas para mezclar la infinidad de sonidos, música, voces de personal del estudio que contestaban preguntas de tarjetas de Waters sobre temas cotidianos, etc. El sonido final en LP era cuadrofónico. La publicación del disco fue un éxito. Llegó al número 1 de las listas de la revista Billboard en abril de 1973. Pero durante más de 800 semanas llegó interrumpidamente en la lista Billboard 200. Es uno de los discos más vendidos de la historia. 24,4 millones de copias vendidas certificadas. Ventas estimadas: 45 millones. En muchas listas periodísticas está considerado uno de los mejores discos de todos los tiempos. DSOTM ha sido influencia posterior a muchos artistas y grupos. Hay incluso leyendas y mitos sobre el disco, como que hay sincronía en el LP y en secuencias de la famosa película "El mago de Oz" (interpretada por Judy Garland de niña en 1939). Pero no deja de ser un anécdota divertido. Otro anécdota pero real es que con los beneficios de las ventas sirvieron para dirigir la primera película de Monty Python, "Los caballeros de la mesa cuadrada" (Monty Python and the Holy Grail, 1975).
Todo el disco tiene los temas seguidos sin pausa como una unidad conceptual. "Speak to Me" es la obertura instrumental del disco que empieza con los latidos de corazón hechos con un bombo por Mason, que también compone este tema. La pieza es un conjunto de sonidos que resumen un poco el concepto del disco. Hay risas que oiremos realizadas por el padre de la famosa actriz Naomi Watts, Peter Watts, mánager de producción. En el LP original está unida a "Breathe", luego en cd estarían separadas. Mason quería un tema con sus créditos de autor y por eso la idea fue de él, que abriera el disco.
Viene luego "Breathe" que se inicía con los sonidos de unos gritos. El comienzo procede del disco de Roger Waters y Ron Geesin "The Body", una BSO de un documental sobre el cuerpo humano de 1970. Estos dos temas hablan del egoísmo y la obsesión de cosas mundanas y la llegada de la locura. Compuesta por Pink Floyd con la voz Gilmour. Los sintetizadores van cogiendo fuerza.
Seguido se oye "On the Run", que tiene la temática del estrés de viajar, entre otras cosas muestra la patología del miedo a volar de Wright. Con los sintetizadores imitan la atmósfera claustrofóbica del tránsito rápido de un aeropuerto. Tema psicodélico con sonidos entre voces, gritos... Compuesta por Waters y Gilmour, este tema instrumental, la guitarra de Gilmour suena como las turbinas de un avión.
"Time / Breathe (reprise)" retrata en la primera parte el tiempo desperdiciado por cosas futiles. Se oyen relojes, que se grabaron en una tienda. La parte instrumental está compuesta por los bombos de Mason y las guitarras con el apoyo de pinceladas teclísticas. Compuesta por el grupo, Guilmour hace un incréible solo eléctrico, de los mejores hasta la fecha realizados con Pink Floyd. Su voz es potente y a fondo se oyen coros femeninos muy soul. Luego viene el respiro con la ayuda de la soledad y reflexión. Cantan Gilmour y Wright una parte "Breathe", pero con letra diferente. Todo el tema disco es una de las cimas musicales y muy famoso en el mundo.
"The Great Gig in the Sky" trata sobre la muerte. Al piano y los etéreos riff de Gilmour empieza la parte mágica de la voz femenina al más puro soul, como una voz sin declamar. Quien canta es Clare Torry, que compuso esta parte solística. Primero no estuvo en los créditos como compositora. Luego en una demanda en 2004, que ganó, en las reediciones posteriores aparece como compositora. La autoría de la composición es de Wright y Torry. Poco a poco del desgarro pasa a la suavidad. Simboliza el tema la tristeza y la llegada de la muerte. Como en muchos temas, se oyen los parlamentos de gente del estudio. En este caso se oye al portero de los estudios Abbey Road, Gerry O'Driscoll, que dice ""Y no tengo miedo de morir, cualquier momento esta bien, no me importa. ¿Por qué debería tener miedo de morir?, no hay razón para ello, tienes que irte en algún momento." (Wikipedia en español). Este tema es uno de los mejores del disco y de la carrera del grupo.
La segunda cara del LP empieza "Money". El hit del disco, que trata sobre la avaricia y el consumismo. Su inicio es muy famoso por los sonidos de monedas que tiraba Waters, una caja registradora... Compuesta por Waters y cantada por Gilmour a lo más blues con espléndidos riff guitarrísticos. La canción está apoyada por el saxo al más puro funk. Mucha gente puede pensar que no está a la altura de los otros temas, pero tiene su sentido. Acaba el tema con los parlamentos de personal de los estudios, como en muchos temas del disco.
Después de la fuerza del anterior tema viene la pausa, suena "Us and Them", la estructura se encuentra en un tema para la BSO de "Zabriskie Point" de Michelangelo Antonioni. Esta BSO, que se hablará en el blog, fue un trabajo de encargo del grupo con muchos temas acústicos, algunos roqueros. Por desgracia, sólo se escogieron muy pocos temas compuestos por el grupo. Por internet se oyen este disco perdido con todos los temas de Pink Floyd para la película. Uno de estos temas que no salió en la BSO definitiva de esta película es "The Riot Scene", que hay una melodía parecida a "Us and Them" En este enlace lo podéis oír: https://www.youtube.com/watch?v=emG883Wjgg0 . Siguiendo con The Dark Side of The Moon, abre "Us and Them" con un saxo.Tiene un ritmo parecido a "Breathe", más rápido y tono funk. Compuesta por Wright y Waters y cantada por Gilmour y Wright, van sonados las melodías suaves blueseras, que se alternan con brotes más poderosos. Se oyen más parlamentos para luego oír un increíble solo de saxo. El tema va cambiando las dos melodías. La composición trata del modo de vida que se interpreta la realidad desde su punto de vista de manera egoísta y sobre las relaciones personales. Este tema, que es el más largo, más de 7 min., es también una de las cúspides del disco, de la carrera de Pink Floyd.
Sin tregua suena "Any Colour You Like", Viaje psicodélico e instrumental. Con toques space rock y riff eléctricos de Gilmour. Compuesta por Gilmour, Wright, Mason.
Viene la locura en "Brain Damage", siempre presente de la mente de Syd Barret. Peter Watts. es el que durante el tema da el toque de esa demencia con sus risas. Compuesta y cantada por Waters, la canción tiene las partes suaves y de gran poderío con toda la banda y los coros femeninos. Es el inicio del gran clímax del disco, que acaba para dar paso al siguiente tema.
Sin respiro suena "Eclipse" , que trata del tema del otro, pero que todos somos iguales. Compuesta y cantada por Waters la melodía es parecida a la anterior. Se oyen las carcajadas de Watts y sus parlamentos. Pero luego Waters canta con el acompañamiento de toda la banda el apoteosis del disco, que va repitiendo los versos y los coros femeninos lo secundan. Acaba como el principio del disco, con latidos de corazón, que duran casi un minuto de completo silencio, como el inicio del disco. Como anécdotas, el título del disco se debió llamar "Eclipse". Pero un grupo de rock sacó un disco con el mismo nombre "The dark side of the moon". Dado que no tuvo mucho éxito, siguieron con el nombre inicial y que sería el definitivo. Otra anécdota es que este tema apareció en la apertura de los Juegos Olímpicos de Londres 2012. También sonó en el primer tráiler de la película "Dune" de 2020 de Denis Villeneuve, con arreglos del responsable de la banda sonora Hans Zimmer. (información sacada de Wikipedia en español).
Dando por hecho lo imposible que es resumir esta obra maestra de la música y un Patrimonio de la Humanidad, que es The Dark Side of The Moon, uno cuando oye el disco infinidad de veces, captura esa belleza sónica, que te abre el espíritu, que te sumerge en lo más profundo de la mente y del corazón. Es una obra redonda, todo no sobra, un disco-concepto único en la música tanto en ese momento que se publicó como hoy día. Fue el resultado de casi diez años de inspiración del grupo con toda la experimentación musical que abordaron. Resume todo el sonido que fueron perfilando en todos los discos para establecer el sonido y estilo que les haría famosos con este disco y los posteriores. Hay psicodelia, hay experimentación, hay música concreta, blues, rock, progresivo, etc. Todas facetas musicales que compusieron en todos sus discos para bordar en un LP lo mejor de estos estilos que supieron tratar. Su música es intemporal. Cada 2 de 6 casas del mundo occidental tienen este disco o lo han tenido en LP o CD. Los jóvenes y niños han oído alguna vez algún tema. A los más veteranos el disco forma parte de sus vidas. Y la portada es un icono de la Tierra. El prisma con el haz de luz y su proyección de la luz cromática fragmentada con los colores del arco iris en un fondo negro está en la cultura popular, en camisetas que llevan hoy día, en 2021, chavales adolescentes, jóvenes, gente adulta, de edad avanzada...
No se puede acabar de explicar uno de los mejores discos de la historia sin hablar de la portada, que es una de las más icónicas del rock, que era desplegable y diseñada por Hipgnosis y George Hardie. Un prisma que reflecta seis colores. Detrás otro prisma. Sobre el interior despegable hay una imagen del latido del corazón. También incluía en el interior según Wikipedia en español: "Dentro de la carpeta desplegable venían dos pósteres, uno de ellos con fotografías de la banda en concierto con el texto PINK FLOYD roto y las piezas esparcidas, y el otro con una imagen de las Pirámides de Guiza tomada por Powell y Thorgeson con una película infrarroja.69 También incluía una hoja con pegatinas de las pirámides." Éstas son las imágenes de la portada abierta, el interior y los pósters:
WISH YOU WERE HERE (1975) 1. Shine on You Crazy Diamond, Parts 1-5 (13:40), 2. Welcome to the Machine (7:31), 3. Have a Cigar (5:08), 4. Wish You Were Here (5:34), 5. Shine on You Crazy Diamond, Parts 6-9 (12:31)
“Wish you were here“se publicó durante diciembre de 1974 a julio de 1975 en los estudios Harvest Records en Reino Unido y en Columbia Records en los EEUU. El 12 de septiembre de 1975 se grabó en los estudios de EMI, dos años después de su anterior trabajo, “The Dark Side of the Moon”. Fueron unos tiempos difíciles por el agobio de la discográfica por la presión de un disco tan popular como el anterior. Luego había las disputas entre los miembros, que unos querían un disco comercial y otros algo más conceptual. Al final la idea de Waters prevaleció, al contrario de Guilmour, que quería más de éxito. El 5 de junio por sorpresa de los músicos apareció en los estudios Syd Barret, gordo y con las cejas afeitadas. No lo reconocieron al primer momento. Fue un chock tan brutal que les embargó una tristeza increíble. Aparte de la temática de su antiguo compañero, también trata de la sociedad que se preocupa del éxito, en especial de las compañías discográficas. El grupo estaba quemado por las presiones de las compañías de discos, de las vidas frenéticas de las giras. Pero al final consiguieron lo que para muchos (incluyendo a dos de miembros: David Gilmour y Richard Wright) es su mejor disco. Entre los temas que estrenaron en 1974 en sus giras había “Shine on Your Crazy Diamond” y “Have a Cigar. Aunque en los conciertos de 1974, “Shine on Your Crazy Diamond” era tocada al completo en sus más de 20 minutos, Waters quería dividirla en las dos caras. El disco contó con la participación de Dick Parry en el saxo.
1. Shine on You Crazy Diamond, Parts 1-5 (13:40) “Shine On You Crazy Diamond” da inicio a la obra, también hay una atmósfera fúnebre con los sonidos iniciales del sintetizador y los punteos de la guitarra. El tema es uno de los más populares por estas partes instrumentales. Waters luego empieza a cantar con el acompañamiento de los coros. Ya en la parte final se añade el saxo de Dick Parry.
2. Welcome to the Machine (7:31) Tema compuesto y escrito por Roger, pero cantado por Guilmour. La fenomenal “Welcome to the Machine” (con protagonismo del sintetizador EMS VCS 3) cerraba el lado A del LP. La canción está inspirada por el libro «1984» de George Orwell. El tema va enlazado con el anterior, con sonidos ambientes como una puerta metálica que se cierra dando una idea de aislamiento. Todo el tema es una oda al desencanto de la mecanización y la impersonalidad de la industria musical. La composición acaba con el estilo característico del grupo con efectos sonoros como la puerta metálica, un grupo de personas hablando…
3. Have a Cigar (5:08) Empieza la cara B. Canta el artista invitado Roy Harper. Una crítica a la música que trata su arte como una fábrica. Roger Waters, que la compuso, no estaba seguro de cantarla por eso lo hizo Harper. Es un tema de puro rock.
4. Wish You Were Here (5:34) Puede que sea uno de los temas más populares del grupo. Tiene una estructura circular (intro, verso, coro…). En el primer plano es un recuerdo a Syd, pero en general es sobre la tristeza de la pérdida de un ser querido. Cantado por David y compuesta por Waters, es una especie de balada super famosa y con una guitarra acústica que enamora. El oyente al principio oye por un altavoz una guitarra y luego en el otro.
5. Shine on You Crazy Diamond, Parts 6-9 (12:31) Acaba el disco con la continuación del primer tema, cantado y escrito por Waters. Está considerada la composición más progresiva. Se repiten momentos de la parte de la cara A, tanto en las fases instrumentales como las cantadas. Pero en general tiene más toque rock y hasta funky o blues.
La portada diseñada por Storm Thorgerson es icónica: dos hombres de negocio, dos empresarios que se dan la mano de manera hipócrita y son símbolo de la inmundicia de la producción musical., al punto de transformar las ideas en mercancía. Por otro lado, el hombre en llamas parece que estuviera ausente. La famosa imagen de dos hombres estrechando sus manos y uno de ellos en llamas (Ronnie Rondell Jr., fallecido en 2025) se hizo más icónica incluso que la propia portada que mostraba dos manos mecánicas estrechadas, que era la primera portada antes de romper el emboltorio negro. También también las imágenes interiores son simbólicas y muestran ideas de aislamiento. La discográfica EMI Records se quedó corta con el primer tiraje después del gran éxito de ventas. En 2004 el disco había vendido alrededor de 13 millones de copias alrededor del mundo.
Algunas de las imágenes que aparecen en el disco en vinilo y en alguna edición de CD.
ANIMALS (1977) 1. Pigs on the Wing, Part 1 (1:25), 2. Dogs (17:04), 3. Pigs (Three Different Ones) (11:28), 4. Sheep (10:16), 5. Pigs on the Wing, Part 2 (1:25) Grabado entre abril y diciembre de 1976, el nuevo álbum de Floyd, Animals fue lanzado al mercado el 21 de enero de 1977 a través de Harvest/EMI en el Reino Unido y de Columbia Records en Estados Unidos. En aquel momento, la música de la banda comenzó a ser criticada por parte de los seguidores del punk rock por haberse convertido en demasiado pretenciosa. El público y los músicos buscaban formas más simples e composición. El mismo cantante de Sex Pistols, Johnny Rotten llevaba públicamente en esa época una camiseta que se hizo muy famosa y que se leía "I hate Pink Floyd". Lo que no cuentan los periodistas y cronistas de la época es que este músico era y es un gran apasionado del rock progresivo y ha expresado en muchas entrevistas que es fan de Peter Hammill, su grupo Van Der Graff Generator, entre otras bandas y músicos afines a Pink Floyd. El disco fue grabado en los nuevos estudios de Pink Floyd, Britannia Row. Animals posee varias canciones relacionadas entre sí por un mismo tema, en este caso inspirado en la novela Rebelión en la granja de George Orwell. En esta metáfora, los perros («Dogs») aluden a los funcionarios de la ley, los cerdos («Pigs») representan a la clase política británica de entonces, y las ovejas («Sheep») representan al resto de habitantes, que se dejan llevar por los perros y los cerdos sin rebelarse. El disco no hay el saxo peculiar de los dos anteriores discos, Dark side of the moon y Wish you were here, ni los coros del DSOTM. Con la excepción de "Dogs", coescrita por Gilmour, las cinco pistas fueron compuestas por Roger Waters. "Pigs On the Wing" se dividió en dos partes, ya que las regalías se calculaban por canción, y así Waters recibiría más dinero que Gilmour, a pesar de que el tema "Dogs" es muy largo. Además es el primer disco sin ninguna composición de Wright. Con este disco se intuye la siguiente etapa del grupo, el definido por el protagonismo de Roger. Se lanzó al mercado el 23 de enero de 1977, y el 12 de febrero en Estados Unidos. Llegó al puesto número dos en el Reino Unido, y al número tres en las estadounidenses.
1. Pigs on the Wing, Part 1 (1:25) un tema de amor que Waters hizo para su esposa. La primera parte del tema habla del desencuentro entre personas. Roger Waters canta y toca la guitarra acústica. La melodía se repite la cara B en el último tema.
2. Dogs (17:04) Este es uno de los trabajos más finos de David Gilmour, que toca de manera excelente. La canción contiene una notable contribución del teclista Richard Wright. Durante la parte en que se incluye un solo de sintetizador de Rick Wright, se pueden escuchar sonidos de ladridos de perros. El solo de guitarra principal del tema es realizado con dos guitarras a la vez. Waters y Guilmour se reparten la voz en el tema. Composición de Waters y Guilmour.
3. Pigs (Three Different Ones) (11:28) El tema tiene un sonido similar a "Have a Cigar", con rellenos de guitarra de blues por parte de Gilmour, y referencias a la defensora de la censura Mary Whitehouse. Voz y composición de Waters.
4. Sheep (10:16) El tema contiene una versión modificada del Salmo 23. Hacia el final de la canción, las ovejas se rebelan y matan a los perros, aunque luego se retiran. Composición y voz de Waters. Es una de las canciones más dinámicas. En la etapa intermedia de la canción el ritmo disminuye dramáticamente.
5. Pigs on the Wing, Part 2 (1:25) El álbum concluye como empezó, una simple canción de amor en la cual se ve un atisbo de esperanza a pesar de la rabia expresada en las otras tres canciones del disco. Composición y voz de Waters .
La portada del álbum presenta a un cerdo inflable, producido por el colaborador habitual de Pink Floyd, Hipgnosis. cuyo nombre fue «Algie», sobrevolando las chimeneas de la Battersea Power Station de Londres. Sin embargo, el viento que estaba soplando el día en que se tomó la fotografía complicó el control del globo. Se cuenta que voló por las calles de la ciudad y fue un impacto. Tal fama consiguió el globo que aún se utiliza en las giras de Roger Waters actualmente.
Imagen actual la fábrica icónica que aparece en la portada de Animals.
Como curiosidad se estrenó una película dirigida por Alfonso Cuarón que aparecía el globo infable y las chimeneas de la famosa fábrica, una película excelente de ciencia-ficción en una sociedad distópica.
EL PINK FLOYD DE ROGER WATERS
THE WALL (1979) CD 1 (38:58) 1. In the Flesh? (3:17), 2. The Thin Ice (2:28), 3. Another Brick in the Wall, Part 1 (3:41), 4. The Happiest Days of Our Lives (1:20), 5. Another Brick in the Wall, Part 2 (3:56), 6. Mother (5:32), 7. Goodbye Blue Sky (2:48), 8. Empty Spaces (5:36). 9. Young Lust (2:03), 10. One of My Turns (1:33), 11. Don't Leave Me Now (4:22), 12. Another Brick in the Wall, Part 3 (1:17), 13. Goodbye Cruel World (1:05) CD 2 (41:43) 1. Hey You (4:39), 2. Is There Anybody Out There! (2:40), 3. Nobody Home (3:25), 4. Vera (1:38), 5. Bring the Boys Back Home (0:50), 6. Comfortably Numb (6:49), 7. The Show Must Go On (1:36), 8. In the Flesh (4:16), 9. Run Like Hell (4:22), 10. Waiting for the Worms (3:56), 11. Stop (0:34), 12. The Trial (5:16), 13. Outside the Wall (1:42)
GESTACIÓN
Después de la gira de promoción de Animals, cada uno de los miembros de Pink Floyd se embarcó en sendos proyectos en solitario. Gilmour grabó y publicó el álbum David Gilmour en 1978, el mismo año en el que Rick Wright publicó Wet Dream, y Nick Mason trabajó en el álbum Steve de Steve Hillage (miembro de Gong). El único que no abandonó las ideas de Pink Floyd fue Roger Waters, quien trabajó en dos proyectos distintos: The Pros and Cons of Hitch Hiking y The Wall. Decidieron que el grupo seguiría con The Wall, y Pros and Cons se convertiría posteriormente en el primer álbum en solitario de Waters. Pero sucedió un escándalo económico a la empresa que gestionaba los ingresos de los miembros de Pink Floyd, quienes habían perdido más de un millón de libras esterlinas. Como resultado de esto, cada uno de ellos debía mucho dinero de impuestos, y se vieron forzados a abandonar el país entre el 6 de abril de 1979 y el 6 de abril de 1980. Durante el exilio se acabó de pulir el álbum The Wall, que fue grabado en Francia. Waters se mudó a Suiza, Mason a Francia y Gilmour y Wright a las islas griegas.
The Wall vio la luz en noviembre de 1979 en Reino Unido y en enero de 1980 en Estados Unidos.por Harvest/EMI en Reino Unido y Columbia/CBS Records en Estados Unidos. Grabado entre diciembre de 1978 y octubre de 1979 fue compuesto casi en su totalidad por Waters, en el cual se relata entre otros aspectos, los temas de la soledad, la falta de comunicación, y los traumas de la vida de Waters, expresados por medio de la metáfora de un muro, construido entre el músico y el público en el más vendido a principios de la década de los ochenta. El álbum fue producido por Bob Ezrin, un amigo de Waters que compartió los créditos de composición en el tema «The Trial» Waters impuso sus dotes artísticos y su liderazgo sobre la banda, usando la precaria situación económica de la banda a su favor, lo que enseguida desembocó en numerosos conflictos entre los integrantes. La influencia de Wright fue mínima, y fue despedido durante la grabación por Waters, aunque acabó retornando para los conciertos en directo, que se tuvo que aprender de memoria los temas. The Wall es uno de los discos conceptuales más conocidos con más de 30 millones de copias vendidas, es el segundo álbum más vendido en el catálogo de la banda —detrás de The Dark Side of the Moon de 1973—, el álbum doble más vendido de todos los tiempos, y uno de los más vendidos en general.
TEMÁTICA Y TRAMA
Una de las bases temáticas de The wall es la alienación del músico Waters y su aislamiento a la sociedad y público. En 1977, Pink Floyd realizó la gira In the Flesh. El bajista y cantautor Roger Waters despreció la experiencia, sintiendo que el público no estaba escuchando y que muchos estaban demasiado lejos para ver a la banda. Dijo: «Se convirtió en un evento social en lugar de una relación más controlada y ordinaria entre los músicos y el público». Algunos miembros del público lanzaron petardos, lo que llevó a Waters a dejar de tocar y regañarlos. El 6 de julio de 1977, fecha final en el Estadio Olímpico de Montreal, un grupo de fanáticos ruidosos y emocionados cerca del escenario irritó tanto a Waters que escupió a uno de ellos. Waters habló con el productor Bob Ezrin y el amigo psiquiatra de Ezrin sobre la alienación y la desesperación que estaba experimentando. Expresó su idea de aislarse de su entorno (público, conocidos) construyendo un muro en el escenario entre la banda y el público. También contiene trazos autobiográficos de Waters, en especial de la niñez, la falta de padre, muerto en la 2ª Guerra Mundial.
La trama del disco es la de Pink, un alter-ego de Syd Barrett y Roger Waters. El álbum comienza con Pink, una estrella de rock, dirigiéndose a una multitud de aficionados en uno de sus conciertos, a quienes está a punto de ofrecer una interpretación aparentemente inesperada de la historia de su vida —«In the Flesh?»—. Comienza un flashback de su vida hasta ese momento, en el que se revela que su padre fue asesinado durante la Segunda Guerra Mundial, dejando que la madre de Pink lo criara sola —«The Thin Ice»—. A partir de la muerte de su padre, Pink comienza a construir un muro metafórico a su alrededor —«Another Brick in the Wall, Part 1»—. Al crecer, Pink es atormentado en la escuela por maestros tiránicos y abusivos —«The Happiest Days of Our Lives»—, y los recuerdos de estos traumas se convierten en «ladrillos en la pared» —«Another Brick in the Wall, Part 2»—.
La muerte del padre de Pink durante la Batalla de Anzio constituye el telón de fondo de la historia.
Ahora, adulto, Pink recuerda a su madre dominante y sobreprotectora —«Mother»— y su educación durante el Blitz —«Goodbye Blue Sky»—. Pink pronto se casa, y después de que se crean más «ladrillos» a través de más traumas, se está preparando para completar su «muro» —«Empty Spaces»—. Mientras está de gira por los Estados Unidos, busca sexo casual para aliviar el tedio de la gira, aunque al hacer una llamada telefónica a casa, se entera de la infidelidad de su esposa —«Young Lust»—. Trae a una groupie de regreso a su habitación de hotel, solo para destrozarla en un violento ataque de ira, aterrorizándola y sacándola de la habitación —«One of My Turns»—. Deprimido, Pink piensa en su esposa y fantasea con cometer violencia contra ella —«Don't Leave Me Now»—. Sintiéndose atrapado, descarta el impacto que su pasado ha tenido en él y rechaza el contacto humano y la medicación —«Another Brick in the Wall, Part 3»—. El muro de Pink ya está terminado, aislándose completamente del mundo exterior —«Goodbye Cruel World»—.
Inmediatamente después de la finalización del muro, Pink cuestiona sus decisiones —«Hey You»— y se encierra en su habitación de hotel —«Is There Anybody Out There?»—. Pink, que comienza a sentirse deprimido, recurre a sus posesiones en busca de consuelo —«Nobody Home»— y anhela la idea de reconectarse con sus raíces personales —«Vera»—. La mente de Pink regresa a la Segunda Guerra Mundial, con la gente exigiendo que los soldados regresen a casa —«Bring the Boys Back Home»—. Volviendo al presente, el mánager de Pink y sus roadies irrumpen en su habitación de hotel, donde lo encuentran inconsciente. Un paramédico le inyecta drogas para que pueda actuar en un concierto esa misma noche —«Comfortably Numb»—.
Las drogas hacen efecto, lo que resulta en una actuación alucinatoria en el escenario —«The Show Must Go On»— donde cree que es un dictador fascista y que su concierto es una manifestación neonazi, en la que se presenta como hombres con camisas pardas sobre fanáticos que considera indignos —«In the Flesh»—. Procede a atacar a las minorías —«Run Like Hell»—, y culmina cuando se imagina celebrando una manifestación que incita a la violencia en los suburbios de Londres —«Waiting for the Worms»—. La alucinación de Pink cesa y él ruega que todo se detenga —«Stop»—. Atormentado por la culpa, Pink se somete a juicio mental, en donde es atormentado por sus miedos, inseguridades y por sus recuerdos con el maestro, su esposa y su madre, al final, su juez interior, luego de que le confronte a Pink sobre sus mayores miedos, le ordena «derribar el muro» como castigo por sus acciones —«The Trial»—. Esta es la apertura de Pink al mundo exterior —«Outside the Wall»—.
PORTADA
La portada del álbum es una de las más minimalistas de Pink Floyd: una pared de ladrillos blancos y sin texto. Waters tuvo una pelea con el diseñador de Hipgnosis, Storm Thorgerson, unos años antes, cuando Thorgerson había incluido la portada de «Animals» en su libro «The Work of Hipgnosis: 'Walk Away René'». The Wall es, por tanto, la primera portada del álbum de la banda desde «The Piper at the Gates of Dawn» en 1967 que no ha sido creada por el grupo de diseño.
GIRA
Tras el lanzamiento del álbum, en 1980 el grupo empezó la gira denominada «The Wall Tour», la cual, se inauguró en Los Angeles Memorial Sports Arena en Los Ángeles, California, el 7 de febrero de 1980. en el año 2000 en un álbum en vivo titulado «Is There Anybody Out There? The Wall Live 1980-1981».
En este enlace podéis oír el doble cd
https://www.youtube.com/watch?v=Wm1HdO6B4yU&list=RDWm1HdO6B4yU&start_radio=1
VERSIÓN CINEMATOGRÁFICA
La adaptación al cine se publicó en 1982 la película Pink Floyd – The Wall, cuya banda sonora está formada por la mayoría del contenido de The Wall. La película, escrita por Waters y dirigida por Alan Parker, tiene como actor protagonista al fundador de The Boomtown Rats, Bob Geldof, quien regrabó muchas de las partes vocales originales del álbum. La canción «When the Tigers Broke Free», que apareció por primera vez en esta película, fue publicada como un sencillo en edición limitada, aunque se popularizó cuando fue incluida en el recopilatorio Echoes: The Best of Pink Floyd y en la reedición de The Final Cut. Otra canción original de la película es «What Shall We Do Now?», que fue eliminada del álbum original debido a las limitaciones de tiempo de los discos de vinilo. Las únicas canciones de The Wall que no fueron empleadas fueron «Hey You» y «The Show Must Go On».
A opinión personal, la película es una obra maestra. Es ideal para quien ya conozca muy bien el disco. Es el entorno ideal para escuchar la música de Pink Floyd y llevarse por las imágenes. Alan Parker es un excelente director. Ha dirigido hitos del cine como El expreso de medianoche, Fama, El corazón del ángel, Birdy, etc. Con esta película hizo una de sus mejores, más famosas. Las ilustraciones, animaciones son ejemplares. El cantante Geldof está genial. Todo es maravilloso. Pero es una película difícil para quien no conozca la historia del doble disco.
Imágenes de la película Pink Floyd El muro.
OTROS DATOS DE INTERÉS
En 1990, para celebrar la Caída del Muro de Berlín, Waters organizó el concierto de The Wall - Live in Berlin que contó con la participación de varios músicos populares de la época. Fue un concierto organizado íntegramente por Roger Waters con la colaboración de grupos y artistas de renombre del rock para celebrar el 21 de julio de 1990 la caída del Muro de Berlín ocho meses antes en setiembre. Se emitió por todo el mundo en directo y tocaron íntegro The wall. Sólo hubo muy pocas diferencias entre el álbum en estudio y lo tocado en el concierto. El tema The Show Must Go On no lo tocaron ni tampoco Outside the Wall, el último tema del trabajo, sustituido por The Tide Is Turning del álbum en solitario de Waters Radio KAOS. Los artistas son innumerables: The Scorpions, Ute Lemper, Cyndi Lauper, Sinéad O'Connor, Joni Mitchell, Bryan Adams, Marianne Faithfull, Albert Finney, Tim Curry, Orquesta Sinfónica de Radio Berlín, Grupo de Fuerzas Soviéticas en Alemania, etc.
CANCIONES
CD 1 (38:58)
1. In the Flesh? (3:17) En los primeros 15 segundos de la canción se escucha un supuesto silencio, aunque con un ligero aumento de volumen se puede escuchar claramente la melodía de "Outside The Wall". Ya después suena las primeras notas muy famosas del discos. Entra la voz de Waters y coros del resto de músicos de este gran himno del rock. Tema contundente e icónico. Los efectos sonoros típicos del grupo imperan como un caza de la aviación y acaba con el llanto del niño.
2. The Thin Ice (2:28) Los primeros segundos son ocupados por el llanto de un bebé que viene de la canción anterior (In the Flesh?), alrededor de 7 segundos. Luego de esto comienza a cantar David Gilmour en un tono suave y tranquilo, acompañado por el piano de Richard Wright. Esta parte es como un remanso de paz después de la explosión sonora anterior. Luego de 56 segundos aproximadamente David Gilmour termina de cantar y da lugar a Roger Waters que cambia de tono a uno más "cínico", debido a la letra de la canción. Luego comienza un solo de Gilmour de mayor volumen que va finalizando la canción. la canción relata una parte de la historia de "Pink", el protagonista del álbum. En resumen, trata de las grandes consecuencias que trae la guerra sobre muchos chicos (Roger Waters había perdido a su padre en una guerra).
3. Another Brick in the Wall, Part 1 (3:41), la primera en mencionar la palabra "muro" que es fundamental para la historia del álbum. "El muro" ("the wall") es una metáfora sobre el recinto que el protagonista, Pink, construye alrededor de él para escapar de la realidad, los "ladrillos en la pared" ("bricks in the wall") representan cada uno de los traumas que Pink va experimentando a lo largo de su vida, lo que lo lleva a crear esta protección. Aquí, la frase "another brick in the wall" se refiere a la desaparición del padre de Pink Waters evoca la muerte de su padre durante la Batalla de Anzio en Anzio, Italia, durante la Segunda Guerra Mundial (1944). En este tema intuimos uno de los pasajes más conocidos del disco, chispeantes y escuetos, con el famosísimo estribillo.
4. The Happiest Days of Our Lives (1:20), El tema en sí sirve como apertura para la canción Another Brick in the Wall Parte II, dura aproximadamente un minuto y medio la opresión de la educación británica que padeció la generación de Roger Waters desde su propio punto de vista y de la violencia que usaban sus profesores. Hay que entender el tema como no una crítica a la educación, si no a la escuela estricta con castigos corporales de los años 40 a 70. Vuelven los efectos sonoros como las hélices de un helicóptero. Va ligado el tema con el posterior.
5. Another Brick in the Wall, Part 2 (3:56), es también la más famosa de las tres partes de "Another Brick in the Wall". Se publicó quince días antes que el álbum como un sencillo. La canción habla sobre las estrictas normas que había en las escuelas durante la década de 1950. Es una de las canciones más populares de la historia del rock e indudablemente la más popular de Pink Floyd. La canción se une con la canción anterior "The Happiest Days of Our Lives", a través de un grito de Roger Waters, similar al de la canción "Careful with that Axe, Eugene" de 1968. Cuenta con una fuerte batería y distintivas guitarras en el fondo con un discreto, y el solo de guitarra que ya forma parte de la historia. La canción también tiene un coro de niños en el segundo verso. Cuando la canción termina se puede oír el sonido de un patio de escuela, y maestros regañando a niños. La canción termina disolviéndose con el tono de un teléfono sonando. la banda utilizó un coro escolar compuesto por 23 preadolescentes con una edad de 12 a 14 años, que fue formado por un profesor de música, Alun Renshaw, que trabajaba en la escuela Islington Green, la cual se encontraba cerca del estudio de grabación, Britannia Row (donde se grabó la canción). Aunque la escuela recibió un pago de £1000, no existía un contrato sobre las regalías de las ventas de discos. Posteriormente, una nueva ley sobre los derechos de autor aprobada en 1996 en el Reino Unido, ha permitido que la escuela pueda iniciar un proceso judicial para reclamar su deuda: los profesionales de la industria musical creen que los estudiantes podrían recibir una tasa de £500 cada uno es una "canción de protesta" que denuncia las duras reglas que existían en las escuelas en general y en los internados, en esta canción es educación nueva y mejor. En 1980, en Sudáfrica, la canción fue adoptada como himno de protesta entre los estudiantes negros que protestaban contra el apartheid
6. Mother (5:32) La canción tiene un cambio de un ritmo bastante tranquilo a uno más fuerte, expandiendo su instrumentación de un solo de guitarra acústica y voz (en la mitad de la canción) a harmonium, piano, batería, bajo, armonía vocal, y guitarra eléctrica. son cantados por Roger Waters, en los que explica a su madre el miedo por si la canción gustará, si le intentarán golpear, entre otras cosas. David Gilmour canta un coro en respuesta a la letra anterior Finalmente la canción termina con un cambio de volumen y Waters cantando; "Mother did it need to be so high?" (del inglés, "Madre, era necesario que fuese tan alta?") en relación con la pared creada por Pink, el protagonista del álbum, y que su madre ayuda a realizar. Es una de las más bellas canciones que ha hecho el grupo. Hay otro de los grandes solos de Gilmour.
7. Goodbye Blue Sky (2:48), cantada por David Gilmour. En un breve prólogo, se escuchan unos pájaros gorjeando tranquilamente. El sonido de unos bombarderos acercándose llama la atención de un niño (la voz del entonces muy joven hijo de Roger, Harry Waters), quien dice inocentemente "Look mummy, there's an aeroplane up in the sky" (inglés para "Mira mami, hay un avión, ahí arriba, en el cielo"). Se deduce de esta escena que los niños son inocentes ante la guerra, pero siempre se llevan la peor parte de ella. Este tema parece otro remanso de paz contenida. La melódica música va acompañada de los coros y voz de Gilmour.
8. Empty Spaces (2:07). larga introducción (de 1 minuto aproximadamente), la que incluye un anuncio de aeropuerto (haciendo referencia a que Pink se iba de gira a EE. UU.) y se vuelve un poco más fuerte. La canción termina de forma abrupta, y la última palabra recién se completa en el siguiente track ("Young Lust"). Pink es ahora adulto y casado, pero él y su esposa están teniendo problemas en su relación debido a la distancia creada por su "muro" a medio construir. Y se pregunta qué debería usar para terminar de construir el muro. El tema es solemne y misterioso.
9. Young Lust (3:29) hard rock influenciada por un blues. El vocalista principal de la canción es David Gilmour, exceptuando la parte en que Roger Waters canta una segunda voz en el estribillo. Pink se ha convertido en una estrella de rock, la cual siempre está lejos de su casa debido a su demandante estilo de vida. Él comienza a invitar groupies a su habitación entre cada concierto, sin ver a su esposa en meses. El final de la canción es un diálogo entre Pink y una operadora telefónica; es en este punto en que se da cuenta de que su esposa había tenido un amante desde hacía un tiempo, y su desmoronamiento mental comienza a ir más rápido.
10. One of My Turns (3:36) El tema empieza algo suave con los teclados y la voz de Waters. La canción se puede dividir en tres partes; un diálogo, una parte lírica silenciosa, y una parte lírica de alto nivel de sonido Pink invita a una chica que sólo quiere tener sexo con él, después de enterarse de que su esposa lo había engañado con otro. Al principio la groupie trata de llamar su atención, pero él está demasiado ocupado pensando en su esposa como para siquiera inmutarse, mientras la canción describe su fallida relación con su esposa. En la tele de fondo se puede escuchar el audio de la película The Dam Busters.
La chica sigue tratando de llamar su atención hasta que Pink explota (en este punto la música sube al máximo) y destroza la habitación en la que se encuentra, lo que hace que la chica se escape. Al final de la canción Pink indiferentemente informa a la groupie acerca su "favourite axe" (del inglés, "guitarra preferida") y le pregunta "would you like something to eat?", en referencia a que la groupie se sirviera un vaso de agua. Cuando la groupie escapa él le grita "Why are you running away?", sintiendo pena por él mismo. Esta parte es como un grito de desesperación. Los ruidos de objetos rotos, los gritos de Waters y los riff de Gilmour van subiendo de intensidad hasta acabar con el siguiente tema.
11. Don't Leave Me Now (4:22) La canción, de manera lánguida, casi etérea, describe a la groupie que se fue tratando de que regrese con Pink y también describe un poco su fallida relación con su esposa. Poco va cogiendo fuerza con la banda. Al final de la canción, David Gilmour y compañía dicen: ¡Oh Babe! Se oye el grito desesperado de Pink.
12. Another Brick in the Wall, Part 3 (1:17) Se repite la melodía de las dos anteriores versiones. La historia es el punto en que Pink decide quedarse encerrado dentro del "muro" y queda completamente aislado del mundo, esta parte lírica se extiende hasta la canción "Goodbye Cruel World". La canción está muy cerca de ser un hard rock y la voz del cantante se convierte en feroz. En la historia, el muro está casi terminado, como resultado de la ira que siente por el engaño de su esposa. Llega a la conclusión que ya no necesita nada, viendo a las personas en su vida como "just bricks in the wall" ("solo ladrillos en el muro") y ve que él es uno más, un producto más del muro.
13. Goodbye Cruel World (1:05) que habla del muro y el aislamiento mental total que le ha provocado el muro a Pink. Acaba el primer disco de manera lenta y como de despedida.
CD 2 (41:43)
1. Hey You (4:39) Después de que el muro fue terminado, Pink se pregunta si tomó la decisión correcta al aislarse completamente del resto del mundo. Pink está dentro de su muro de forma psicológica, pero también físicamente, pues está "encerrado en una habitación de hotel con una ventana rota con vista hacia la autopista". Atrapado dentro de un muro creado por el dolor, los sentimientos reprimidos y las malas experiencias de su vida, Pink desesperadamente busca algo o alguien que lo ayude a reconectarse con el mundo que él mismo decidió abandonar. A medida que la canción avanza, sus pedidos de ayuda se van haciendo cada vez más desoladores y desesperados. Canta Gilmour. Un tema de medio tempo. Va cogiendo color el tema con los riff de Gilmour. Se incorpora la voz de Water más intensa.
2. Is There Anybody Out There! (2:40), Cerca de los 40 segundos se escucha la voz de Roger Waters junto a gritos agudos y un coro. Inmediatamente comienzan los arpegios de la guitarra con cuerdas de nylon de David Gilmour, luego se le une un violín y una guitarra adicional de volumen moderado. La única voz que se escucha, es la pregunta "Is there anybody out there?", con un eco repetido de Roger Waters. El sonido en general parece el de los Pink Floyd de principios de los 70.
3. Nobody Home (3:25), En la canción «Pink» describe su vida aislada dentro del muro mental creado por él mismo. No tiene a nadie a quién hablarle y lo único que posee son sus cosas materiales. La canción describe lo que Waters dice haber vivido durante el tour de 1977 (el primer tour de la banda en grandes estadios). Adicionalmente, la canción contiene algunas referencias al miembro fundador Syd Barrett. La canción fue escrita luego de la discusión entre Waters, Gilmour y el coproductor Bob Ezrin durante la producción de The Wall, en la que Gilmour y Ezrin trataban de convencer a Waters de incluir otra canción en el álbum. Waters, entonces, escribió «Nodody Home» y la presentó, dos días después, a la banda. Fue la última canción que se escribió de The Wall. Con unas notas pianísticas la voz de Water acompaña este precioso tema. Tiene arreglos orquestales magníficos. Es otro tema que parece un grito desesperado.
4. Vera (1:38), La letra de la canción hacé referencia a la cantante británica Vera Lynn (1917-2020), que tuvo éxito durante la Segunda Guerra Mundial, y su canción más popular de su carrera llamada "We'll Meet Again" (del inglés, "Nos volveremos a encontrar"), frase que Waters incluyó en la letra de su canción como inspiración. Water canta otra vez este corto tema.
5. Bring the Boys Back Home (1:27) Suena como una banda pequeña militar y grupo de coro cantando apoteósico. Suena golpes en la puerta.
6. Comfortably Numb (6:49) La melodía vocal del estribillo y sus acordes fue creada por Gilmour, y se trataba de un demo que quedó fuera de su primer álbum solista. Gilmour llevó el demo a las grabaciones de The Wall, desde allí Roger Waters compuso el resto de la melodía y sus acordes ( se origina por una traumática experiencia vivida por Roger Waters en la gira “In The Flesh”. El 29 de junio de 1977, el líder de la banda no estaba en condiciones de presentarse en el estadio Spectrum de Philadelphia por fuertes dolores abdominales. El médico tratante le inyectó un fuerte relajante muscular que permitió a Waters tocar ese día, completamente adormecido y con sus manos que se sentían “como dos globos de juguete”. Waters sería diagnosticado con hepatitis tras esa presentación. Comfortably Numb es considerada como parte del canon de la historia del rock clásico y una de las mejores creaciones de la banda inglesa Los dos solos de guitarra que toca David Gilmour (en especial el segundo) son considerados como sus mejores solos en Pink Floyd y como unos de los mejores solos de guitarra de toda la historia. Primero canta Water, pero la parte más conocida es la de Gilmour. Para muchos es la obra maestra del disco.
7. The Show Must Go On (1:36), Los acordes de la canción son similares a los de "Mother", "In the Flesh", y "Waiting for the Worms". La canción también se asimila a los patrones de las canciones de Queen no sólo en la armonización de las voces sino también por su letra y título. (Queen grabaría una canción del mismo nombre en 1991, la cual empieza con la frase "Empty Spaces". Canta Gilmour con coros del grupo.
8. In the Flesh (4:16) El tema es otro momento cúspide del doble trabajo, melodía que hemos oído en el primer disco en el primer tema. Hace referencia a la visión del mundo desde la perspectiva de Pink o a "mirar el mundo desde el disfraz". La introducción incluye la misma explosiva secuencia de órgano de In the Flesh?. Luego de esto, la canción es seguida con un coro más suave, antes de la sección lírica. El final de la canción incluye otra secuencia de órgano, y la canción se desvanece con el grito de "Hammer! Hammer!" (del inglés, "¡Martillen! ¡Martillen!", el cual es el logo del grupo del odio de Pink). Esta es la primera de la serie de canciones en que Pink, alucinando debido al uso de drogas, se cree un dictador fascista. El tema parece como tocado en directo.
9. Run Like Hell (4:22) Sigue otro gran momento del trabajo doble. Pink durante una alucinación, en la cual se convierte en una figura de un dictador, similar a la Alemania Nazi y convierte una audiencia de un concierto en un grupo turbulento. Manda a todos a asaltar los vecindarios. La música fue escrita por David Gilmour, mientras que las letras fueron de Waters. La canción posee el único solo de teclado en The Wall.
10. Waiting for the Worms (3:56), En este punto del álbum, el protagonista de la historia, Pink, ha perdido toda esperanza y dejado que las malas ideas, "the worms" (del inglés, "los gusanos"), controlen su mente. En su alucinación, él es un dictador fascista que reparte odio. La melodía parece alegre pero los sincopados pasos militares dan un toque marcial. Luego se enloquece la melodía. Se alternan las voces entre Gilmour y Waters.
11. Stop (0:34) Pink (el protagonista del álbum) se cansa de su vida de dictador fascista y termina su alucinación. También está cansado del muro ('The Wall'), en consecuencia se somete a su propio juicio ("The Trial", del inglés, "El Juicio", nombre de la canción que la sigue en el álbum). La canción también es acerca de que Pink se da cuenta de que todo lo que lo había llevado al muro ('The Wall') podría haber sido culpa suya.
12. The Trial (5:16) Empieza como en una obra teatral, la música como una opereta, las voces del juicio a Pink. La canción hace relato con el juicio en contra de Pink, que representa en su confrontación de él mismo en su propia identidad y su aislamiento emocional, mencionado con él finalizar, y seguido la destrucción del muro blanco metafórico de Pink. También surgen varios personajes que se encuentran durante todo el álbum, por ejemplo: el maestro, la esposa y la madre de Pink, los cuales son llamados al estrado. La canción finaliza cuando el Juez de la Corte ordena derribar el Muro y obligar a Pink a socializar y vivir la vida real.
13. Outside the Wall (1:42) La canción es una de las más tranquilas del álbum. Tiene cerca de 1:41 de duración. En la versión demo original en vez de un clarinete, fue utilizada una armónica. Se da a entender que "the wall" (el muro) ha sido derrumbado (como resultado de sus acciones en The Trial).
THE FINAL CUT (1983) 1. The Post War Dream (3:00), 2. Your Possible Pasts (4:21), 3. One of the Few (1:26), 4. The Hero's Return (2:58), 5. The Gunners Dream (5:04)6. Paranoid Eyes (3:49), 7. Get Your Filthy Hands Off My Desert (1:19), 8. The Fletcher Memorial Home (4:10), 9. Southampton Dock (2:05), 10. The Final Cut (4:53), 11. Not Now John (5:03)
12. Two Suns in the Sunset (5:17)
The final cut fue lanzado al mercado el 21 de marzo de 1983 a través de Harvest Records en el Reino Unido y el 2 de abril de 1983 a través de Columbia Records en Estados Unidos. Se trata de un álbum conceptual, sin la participación de Richard Wright quien fue despedido por Roger Waters en 1982, y es el último de la banda en contar con la participación de Waters, quien aparece acreditado como compositor y letrista de todas las canciones del disco. La mayoría de ellas cuentan con la voz de Waters como vocalista principal; el guitarrista líder David Gilmour aporta su voz a solo una de las trece canciones del disco, "Not Now John". Para muchos este disco es más bien un álbum en solitario de Roger Waters y no uno de Pink Floyd. También lo ven como una segunda parte de unos de los temas del anterior disco, The wall.
GRAVACIÓN
Se grabó en ocho estudios distintos de Inglaterra, entre julio de 1982 y enero de 1983. Al igual que en la mayoría de la discografía de Pink Floyd, se contrataron una gran cantidad de músicos de sesión como colaboradores, aunque la grabación del mismo estuvo dominada por la creciente tensión entre Waters y el resto de la banda, especialmente Gilmour. El diseño artístico corrió a cargo de Waters llegó a lo más alto de la lista británica de álbumes, aunque recibió críticas muy duras Después del lanzamiento del álbum cada miembro de la banda se concentró en sus proyectos en solitario, aunque poco después Waters anunció que dejaba el grupo, además de intentar que Gilmour y el batería Nick Mason nunca volviesen a utilizar el nombre de Pink Floyd. Con posterioridad Gilmour ha expresado en varias ocasiones su desagrado con gran parte de The Final Cut, muchas veces viéndose como una obra en solitario de Waters. Ninguna de las canciones del disco han sido tocadas en directo por Pink Floyd, aunque algunas sí ha tocado Waters en sus giras en solitario. En 2004, la remasterización del álbum incluyó el tema "When the Tigers Broke Free" que fue lanzada inicialmente como un sencillo en 1982 (antes del lanzamiento del álbum) y que también apareció en Pink Floyd The Wall y en el álbum Echoes: The Best of Pink Floyd. El compositor y director de orquesta estadounidense. Michael Kamen, que ya participó en las secciones orquestales de The Wall, hizo de teclista, reemplazando a Wright. Contrataron a James Guthrie como ingeniero de sonido. Aunque Waters y Gilmour inicialmente trabajaron juntos, Finalmente decidieron trabajar por separado. Andy Jackson (co-ingeniero) trabajó con Waters en las partes vocales, mientras que Guthrie trabajó con Gilmour en las piezas de guitarra. Al igual que en lanzamientos previos de Pink Floyd, para The Final Cut se usaron efectos de sonido combinados con grabaciones de audio con muchos avances e innovaciones tecnológicas. Las contribuciones de Mason estuvieron limitadas casi exclusivamente a grabar efectos de sonido para el sistema holofónico experimental, una técnica de procesamiento de audio usada para añadir un efecto tridimensional a las grabaciones (The Final Cut es el segundo álbum de la historia en contar con esta tecnología). La técnica aparece en "Get Your Filthy Hands Off My Desert", haciendo que el efecto de una explosión parezca que envuelve al oyente. [ Muchos verían a The Final Cut como una continuación de su antecesor The Wall, puesto que contiene temáticas similares a este, además, cuenta con el mismo protagonista del álbum anterior, Floyd Pinkerton, aunque la historia está centrada después de que se destruyó el muro.
TRAMA
The Final Cut es un álbum conceptual antibélico. Las letras de Waters exploran lo que él considera la traición hacia los militares británicos caídos, como su padre, quienes durante la Segunda Guerra Mundial sacrificaron su vida por el espíritu del sueño de la posguerra. Este "sueño" era que la victoria haría del mundo un sitio más pacífico, en el cual los mandatarios no querrían volver a entrar en más guerras. Las letras son críticas contra Margaret Thatcher, cuyas políticas y decisiones fueron vistas por Waters como un ejemplo de traición. Se refiere a ella como "Maggie" a lo largo del álbum. A excepción de la pista introductoria, The Post-War Dream y When the Tigers Broke Free, la primera cara es una ópera rock corta que trata sobre la difícil situación mental de un veterano de la Segunda Guerra Mundial., El argumento puede ser:
Después de que se destruyó el muro en The Wall, el protagonista, Pink, se convierte en un profesor de escuela abusivo y a lo largo de las cinco siguientes pistas ("Your Possible Pasts", "One of the Few", "The Hero's Return", "The Gunner's Dream" y "Paranoid Eyes") se examina su vida después de la guerra en detalle, centrándose en la depresión consecuencia del trastorno por estrés postraumático. Se va alejando de su esposa y le persigue la memoria de la muerte de sus compañeros soldados, incluyendo las últimas palabras de un artillero oídas a través de un interfono. En un deseo de volver a controlar su vida, paga sus frustraciones con sus alumnos, también tiene una esposa,que recibe malos tratos. El tema vuelve a aparecer en "The Hero's Return" como una sensación de alienación que siente el veterano hacia su mujer y sus alrededores. La porción de ópera rock del disco acaba con "Paranoid Eyes", en donde el veterano se refugia en el alcohol, eligiendo así ocultar sus verdaderos problemas al resto del mundo, terminando la historia de Pink.. La segunda parte del álbum trata sobre varios temas bélicos. "Southampton Dock" es un lamento dedicado a los héroes de guerra que regresan y para los soldados que se encaminan hacia una muerte segura, mientras que "Not Now John" habla de la ignorancia de la sociedad hacia los problemas económicos y políticos. "Get Your Filthy Hands Off My Desert" trata sobre los sentimientos de Waters hacia la guerra y la invasión, y "The Fletcher Memorial Home" refleja sus fantasías sobre reunir a políticos como Leonid Brézhnev, Menachem Begin, Leopoldo Galtieri y Margaret Thatcher para ejecutarlos a todos.
The Final Cut trata sobre las intimidades más profundas de Waters; la letra trata las repercusiones provenientes del aislamiento y las represiones sexuales, mientras intenta suicidarse y se esfuerza por reconectar con el mundo que tiene a su alrededor. El álbum termina con "Two Suns in the Sunset", una canción que retrata un holocausto nuclear, dando como resultado final un mundo obsesionado con la guerra y el control, haciendo referencia al constante pánico por una guerra nuclear, que se empezó a popularizar después de la Segunda Guerra Mundial.
PORTADA
Storm Thorgerson fue descartado para diseñar la portada, de lo que se encargó Waters, usando fotografías tomadas por su cuñado, Willie Christie. La portada muestra las amapolas típicas del día de los caídos y cuatro medallas de la Segunda Guerra Mundial sobre un fondo de tela negro. También aparecen varias imágenes de un soldado solitario en un campo. En el interior de la cubierta desplegable aparecen tres fotografías: La primera representa una mano extendida sujetando tres amapolas con un soldado en mitad de un campo a lo lejos. La segunda, muestra un soldador portando una máscara de soldador con una pequeña bandera japonesa La tercera representa una explosión nuclear vista desde dentro de un coche, refiriéndose a "Two Suns in the Sunset". Dentro de la cubierta aparecen todas las letras de las canciones. La etiqueta de la Cara A del vinilo muestra un campo de amapolas, mientras que la Cara B muestra un soldado apuñalado por la espalda, tirado en el suelo cerca de un campo de amapolas. A su lado se ve un perro sentado. La contraportada representa a un soldado de pie sujetando un carrete, con un cuchillo sobresaliendo de su espalda[].
LANZAMIENTO
The Final Cut se lanzó en el Reino Unido el 21 de marzo de 1983 y llegó al puesto número uno de la lista de álbumes de ese país,] algo que ni The Dark Side of the Moon ni The Wall habían logrado. Su lanzamiento en Estados Unidos el 2 de abril, sin embargo, tuvo menos éxito. El álbum no contó con gira de promoción. Aunque Roger Waters había mencionado que el disco iba a tener una gira inmediatamente después de publicarse, esto nunca llegó a ocurrir.
Después del lanzamiento de The Final Cut, cada miembro de la banda pasó a trabajar en proyectos en solitario. Gilmour grabó en 1984 About Face junto con algunas letras escritas por el guitarrista y compositor Pete Townshend del grupo británico The Who, Gilmour usó el álbum para expresar sus sentimientos sobre varios temas, desde el asesinato del músico John Lennon, a su tormentosa relación con Waters, quien también comenzó a trabajar en su primer álbum solitario basado en un concepto que había compuesto al mismo tiempo que "The Wall", llamándolo The Pros and Cons of Hitch Hiking que contó con el apoyo del guitarrista Eric Clapton. Mason por su parte lanzó su segundo trabajo en solitario Profiles en agosto de 1985.[
En 1985, Waters anunció su abandono de la banda, ya que pensaba que Pink Floyd había fuerza. Apeló a la justicia para prevenir que el nombre "Pink Floyd" pudiese seguir utilizándose.[ Sus abogados descubrieron que la asociación nunca se confirmó oficialmente y Waters volvió a los tribunales para intentar conseguir vetar que se pudiese usar el nombre en el futuro. Los abogados de Gilmour respondieron con un comunicado de prensa que afirmaba que Pink Floyd seguiría existiendo. Waters se puso en contacto con EMI y Columbia dejando de manifiesto su intención de abandonar la banda, pidiéndoles que le liberasen de sus obligaciones contractuales. Poco después Waters contribuyó en la banda sonora de la película When the Wind Blows[] y después grabó su segundo álbum en solitario, Radio K.A.O.S., que fue publicado en 1987.[ Durante esta batalla legal y a pesar de las protestas de Waters sobre la disolución de la banda, Gilmour y Mason se unieron nuevamente para la grabación del próximo álbum de Pink Floyd, A Momentary Lapse of Reason, publicado también en 1987, el cual fue el primero en no contar con la participación de Waters y también trajo de regreso a Richard Wright.
The Final Cut, a menudo es visto como un trabajo en solitario de Waters, debido a la combinación de la parcial ruptura de Pink Floyd y a la dominación lírica de Waters en el proyecto. La cualidad personal de las letras se achaca al empeño de Waters por luchar con la desesperación que le provocaba el cambio social que estaba sufriendo el Reino Unido y a la pérdida de su padre en la Segunda Guerra Mundial. A pesar de esto, los solos de guitarra de Gilmour en "Your Possible Pasts" y "The Fletcher Memorial Home" a veces se comparan con sus mejores trabajos en The Wall.
MÚSICOS
-Todas las canciones tienen a Roger Waters como vocalista principal, excepto "Not Now John" con David Gilmour y Roger Waters. Gilmour canta las partes agudas en la mayoría de las canciones, como en su antecesor The Wall
-Todas las canciones escritas y compuestas por Roger Waters.
-Roger Waters: voz principal, bajo, sintetizador, efectos de sonido, guitarra acústica, diseño portada, producción.
-David Gilmour: guitarra eléctrica, voz principal en "Not Now John".
-Nick Mason: batería, percusión, efectos de sonido (con holofónicos).
Músicos adicionales:
-Andy Bown: órgano Hammond
-Ray Cooper: percusión
-Michael Kamen: piano, armonio, dirección y arreglos de la National Philharmonic Orchestra, producción.
-National Philharmonic Orchestra
-Andy Newmark: batería en "Two Suns in the Sunset".
-Raphael Ravenscroft: saxofón tenor
LISTA DE CANCIONES
1. The Post War Dream (3:00) En la introducción de la canción se puede escuchar una radio siendo cambiada de estación varias veces. La canción tiene aprox. 3 minutos de duración y consiste en muchos efectos de sonido, como botes de remos y gritos, similar a todo el álbum. La música comienza tranquila, con sintetizadores y la voz tranquila y pausada de Roger Waters, además del sonido de algunos instrumentos orquestales. A esto lo sigue una sección de más volumen y más teatral, dominada por guitarras eléctricas. Durante esta sección Waters grita la letra, en contraste con la primera parte. Es un buen inicio del álbum, poderoso y épico.
2. Your Possible Pasts (4:21) El tema tiene efectos de sonido como ruidos, viento… La letra del estribillo fue incluida en Pink Floyd: The Wall, junto a la letra de "5:11 A.M.- The Moment of Clarity" de The Pros and Cons of Hitch Hiking, el álbum en solitario de Roger Waters. Contiene un gran solo de guitarra de Guilmour.
3. One of the Few (1:26) El título, "Uno de los pocos", es una referencia al discurso de Winston Churchill ante la Cámara de los Comunes el 20 de agosto de 1940, en el que afirmó " Nunca tantos debieron tanto a tan pocos ", en referencia a la defensa de Gran Bretaña por parte de la Real Fuerza Aérea. El tema tiene un tic-tac de reloj.
4. The Hero's Return (2:58) La canción (originalmente titulada "Teacher, Teacher") fue introducida en el home demo de Roger Waters para The Wall en 1978. El tema suena muy acorde al anterior disco, The wall.
5. The Gunners Dream (5:04) la cual cuenta la historia y los pensamientos de un artillero de guerra en el momento de su muerte. La letra hace referencia a los atentados con bomba en Hyde Park y Regent's Park perpetrados en la época por el Ejército Republicano Irlandés Provisional (IRA). El tema es melancólico con un piano emocionante y la voz de Waters. Tiene solidez el solo de saxo.
6. Paranoid Eyes (3:49) La letra trata de un hombre que trata de acostumbrarse a la vida en su casa luego de la Segunda Guerra Mundial, tratando de no mostrar su debilidad ante los demás. Con este tema se acaba la primera cara del vinilo, compuesto como una mini-ópera-rock. También tiene este tema un parecido a los temas melancólicos de The Wall. Acaba el tema con la guitarra acústica. Pero lo más sobresaliente son los arreglos orquestales y los teclados.
7. Get Your Filthy Hands Off My Desert (1:19) Si el grupo como en todos los temas del disco no tocaron en directo, Roger Waters por su cuenta sí que utilizó el tema en sus giras en solitario, casi siempre en un "Medley" con "Southampton Dock", también de The Final Cut. Uno de esos medleys fue incluido en el DVD y Álbum In the Flesh – Live de Roger Waters. Waters enumera una serie de líderes y conflictos en los que se involucraron, incluyendo a Margaret Thatcher.
8. The Fletcher Memorial Home (4:10) La canción habla de la frustración de Waters con los dirigentes del mundo desde la Segunda Guerra Mundial, mencionando a muchos líderes mundiales por su nombre, (por orden cronológico: Ronald Reagan, Alexander Haig, Menachem Begin, Margaret Thatcher, Ian Paisley, Leonid Brézhnev , Joseph McCarthy, Richard Nixon. Él clasifica a todos los dirigentes mundiales como «niños demasiado grandes» y «tiranos incurables», y sugiere que son incapaces de entender nada más que violencia, o de sus propios rostros en una pantalla de televisión. En sus líneas finales, el narrador de la canción reúne todos los «tiranos» dentro de la «Fletcher Memorial Home» y se imagina la aplicación de «la solución final» para ellos. Esto enlaza con el tema general del álbum en su totalidad, que concluye con una canción que describe un Armagedón nuclear como el destino final de la humanidad. Esto va intercalado con canciones que critican profundamente la guerra de Malvinas. Waters percibe el conflicto como un resumen de la traición de los soldados británicos que lucharon y murieron en la Segunda Guerra Mundial, y que las vidas de soldados británicos y argentinos estaban siendo utilizados como instrumentos políticos, por ejemplo, que la decisión de Margaret Thatcher a ir a la guerra fue, a su forma de ver, diseñada para darle un impulso muy necesario a su popularidad. En la canción también se refiere brevemente al Macarthismo de la década de 1950, mencionando el senador Joseph McCarthy («el fantasma de McCarthy») junto a todos los otros tiranos. Waters también dice que la mayoría del público no respeta a los «tiranos», como él dice claramente «lo que esperan de nosotros es que los tratemos con respeto.». El nombre Fletcher en el título de la canción es en recuerdo del padre de Roger Waters, Eric Fletcher Waters, quien murió durante la Segunda Guerra Mundial en Italia.
9. Southampton Dock (2:05) Es un tema melancólico que luego va subiendo intensidad.
10. The Final Cut (4:53) Tiene un solo de guitarra de David Gilmour. Puede ser utilizada como un epílogo a su ópera rock, The Wall. El arreglo orquestal de la canción es similar al de Comfortably Numb, también arreglada por Michael Kamen.
11. Not Now John (5:03) Es el único tema del LP con la voz de David Gilmour como la principal en las coplas; la de Roger Waters, se oye en el estribillo y en los interludios. Todas las demás canciones del disco son con la voz de Waters nada más. La canción fue también el único sencillo oficial del álbum, tras la publicación de When The Tigers Broke Free en 1982. trata de la guerra (en especial la guerra de Malvinas contra Argentina) y crítica hacia la primera ministra del Reino Unido Margaret Thatcher, así como críticas generales hacia la codicia y corrupción política que Waters vio como peligros hacia la sociedad. También habla de la corruptible e infructuosa labor de la América postguerra, Europa y Japón. A diferencia de la mayoría de las canciones de The Final Cut. Gilmour y Waters se reparten la tarea vocal, de manera similar a la canción "Comfortably Numb" de The Wall, y representan diferentes "personajes". Gilmour se luce con sus característicos riff y solos de guitarra eléctrica.
12. Two Suns in the Sunset (5:17) última canción del álbum The Final Cut, de 1983. Durante la canción, la frase "the sun is in the east, even though the day is done" (del inglés, "el sol está en el Este, aunque el día haya terminado"), es una metáfora haciendo referencia a la bola de fuego incandescente creada por una explosión nuclear
Bonus track en ediciones posteriores y que apareció como tema 4 del CD:
4. When the Tigers Broke Free (3:17) «When the Tigers Broke Free» es una canción de Pink Floyd compuesta por Roger Waters, que describe la muerte de su padre, Eric Fletcher Waters, durante la batalla de Anzio en la Segunda Guerra Mundial y lanzada para el álbum de 1983 de Pink Floyd, The Final Cut. Suena fúnebre, himno militar de soldados caídos. La canción fue escrita al mismo tiempo que The Wall (1979), debido a su copyright de 1979 (1980 en Estados Unidos), pero no fue lanzada hasta la película de este mismo álbum y fue lanzada como una pista separada en un disco de 7 pulgadas como sencillo el 26 de julio de 1982 antes de salir en el filme. En el disco de 7 pulgadas era nombrada como "Tomada del álbum The Final Cut cuando este iba a ser una selección de cortes de la película y temas no usados de The Wall. En la reedición en el 2004 de The Final Cut se incluyó como parte del álbum a continuación del tema "One of the Few".
Imágenes del libreto del vinilo y de alguna pegatina del disco en una cara.
EL PINK FLOYD DE DAVID GILMOUR
A MOMENTARY LAPSE OF REASON (1987) 1. Signs of Life (4:24), 2. Learning to Fly (4:53), 3. The Dogs of War (6:05), 4. One Slip (5:10), 5. On the Turning Away (5:42)6. Yet Another Movie (6:18), 7. Round and Round (1:10), 8. A New Machine, Part One (1:46), 9. Terminal Frost (6:17), 10. A New Machine, Part Two (0:38), 11. Sorrow (8:46)
En 1986 Gilmour y Mason comenzaron a grabar un nuevo álbum bajo el nombre de Pink Floyd. Durante esa época los miembros activos y el antiguo, Roger Waters, estuvieron en disputa por el uso del nombre, pero Gilmour y Mason mantuvieron su intención de grabar como Pink Floyd, ya que Waters se había ido de la banda libremente. llegaron a los juzgados, y los derechos fueron adquiridos por Gilmour y Mason. Después de barajar varios títulos, el nuevo álbum fue publicado como A Momentary Lapse of Reason, y alcanzó el tercer puesto en los EE. UU y en el Reino Unido. El grupo se apoyó en letristas externos, puesto que Waters era el mayor letrista de los anteriores trabajos. Bob Ezrin actuó como coproductor, que ya trabajó con Pink Floyd en The Wall. Jon Carin interpretó la mayoría de las partes de teclado a pesar de la vuelta de Wright que se concretó en un principio como músico asalariado, puesto que estaba oficialmente fuera del grupo. Luego, lo readmitieron legamente. El disco fue lanzado al mercado el 7 de septiembre de 1987 y las compañías discográficas que lo distribuyeron fueron EMI (Reino Unido) y Columbia (EEUU).
GRAVACIÓN
A principios de 1986, el guitarrista David Gilmour estaba en su tercer álbum en solitario, sin embargo, para finales de ese año, cambió de idea y decidió que el nuevo material serviría para un nuevo álbum de Pink Floyd, para ello decidió volver a contar con el batería Nick Mason y el teclista Richard Wright, este último despedido Se grabó principalmente en el estudio de Gilmour, Astoria, construido en una casa flotante del guitarrista. El barco se encontraba amarrado en el río Támesis, A diferencia de la mayoría de los álbumes de estudio de la banda, A Momentary Lapse of Reason no es un disco conceptual. Es un conjunto de canciones de rock compuestas en su mayoría por Gilmour y el músico Anthony Moore. Unos meses antes, el teclista Jon Carin improvisó con Gilmour donde compuso la progresión de acordes que después se convertiría en "Learning to Fly"Gilmour invitó a Bob Ezrin a participar en el proyecto. La invitación llegó poco después de que el productor rechazase una oferta de Waters para trabajar en su nuevo proyecto en solitario, Radio K.A.O.S., a la que Ezrin no podía. Además, Gilmour contrató nuevos músicos de sesión, incluyendo a Carmine Appice y Jim Keltner. Ambos baterías después reemplazaron a Mason en la gran mayoría de las canciones; Mason estaba en plena forma, ya que hacía tiempo que no tocaba. La nueva mujer de Wright, Franka, se puso en contacto con Gilmour para preguntarle si Wright podía contribuir en el nuevo álbum. Éste accedió. Los tres títulos que se barajaron inicialmente para el disco fueron Signs of Life, Of Promises Broken y Delusions of Maturity.
PORTADA
Por primera vez desde Animals, de 1977, el encargado del diseño de la portada y el arte del álbum fue Storm Thorgerson. Su diseño final fue una larga ristra de camas de hospital colocadas en una playa. Se inspiró en una frase de la canción de la pista número seis del álbum "Yet Another Movie" que dice: "vestigios de relaciones que se han evaporado, dejando sólo ecos" La portada muestra 800 camas de hospital, colocadas en Saunton Sands en Devon. En el cielo se divisa un ala delta, una referencia a la canción "Learning to Fly".
RECEPCIÓN
Aunque mucha crítica especializada no consideraron un buen áblum, tuvo mucho éxito de compra. A Momentary Lapse of Reason fue certificado plata y oro en el Reino Unido el 1 de octubre de 1987, y oro y platino en Estados Unidos el 9 de noviembre. Se convirtió en doble platino el 18 de enero del año siguiente, triple platino el 10 de marzo de 1992 y cuádruple platino el 16 de agosto de 2001, superando las ventas del álbum previo The Final Cut
GIRA
La gira Momentary Lapse fue un verdadero éxito. Todos sus conciertos en Estados Unidos registraron la máxima asistencia, siendo la gira más exitosa del año. Pronto siguieron giras por Australia, Japón y Europa (y particularmente el Reino Unido), antes de que la banda volviese dos veces más a Estados Unidos. En Barcelona tocaron en el antiguo estadio de RCD Espanyol. El 22 de noviembre de 1988 se lanzó un álbum en directo titulado Delicate Sound of Thunder, seguido de un vídeo en junio de 1989, donde se recoge esta gira mundial.
MÚSICOS Y CRÉDITOS
-David Gilmour - voz, guitarras, teclados, secuenciadores
-Nick Mason - batería, percusión, caja de ritmos, efectos de sonido
-Richard Wright - teclados, órgano Hammond, coros (Wright fue acreditado como miembro del grupo a partir de las reediciones de 2011 del álbum debido a cuestiones legales en 1987)
Músicos adicionales
-Bob Ezrin: teclados, percusión, secuenciadores
-Tony Levin: bajo, chapman stick
-Jim Keltner: percusión
-Steve Forman: percusión
-Jon Carin: teclados
-Tom Scott: saxofón alto, saxofón soprano
-Scott Page: saxofón tenor
-Carmine Appice: batería
-Patrick Leonard: sintetizadores
-Bill Payne: órgano Hammond
-Michael Landau: guitarra
-John Helliwell: saxofón (aparece como "John Halliwell" en los créditos)
-Darlene Koldenhaven: coros
-Carmen Twillie: coros
-Phyllis St. James: coros
-Donnie Gerrard: coros
LISTA DE CANCIONES
1. Signs of Life (4:24) Es una pieza instrumental. Para abrir la pista, el productor Bob Ezrin grabó el sonido del barquero de David Gilmour , Langley Iddins, remando a través del Támesis. La canción enlaza directamente con " Learning to Fly ". Contiene algunos de los típicos riffs de Gilmour.
2. Learning to Fly (4:53) En España, la canción alcanzó el número uno en la lista Los 40 Principales . La inspiración para la letra surgió mientras Gilmour aprendía a pilotar aviones en el momento de la grabación. Es un tema pop-rock bastante aceptable, pegadizo y tuvo tirada comercial. También tiene coros que vinculan a los sonidos de Pink Floyd con Waters.
3. The Dogs of War (6:05) El tema describe cómo los políticos orquestan las guerras, sugiriendo que la principal influencia detrás de la guerra es el dinero. Musicalmente, la canción sigue una estructura de blues. El tema en la primera parte se hace aburrido, luego deriva algo más frutífero con la batería y los coros. Hay también un solo de saxo muy interesante.
4. One Slip (5:10) La canción fue coescrita por David Gilmour y el guitarrista de Roxy Music, Phil Manzanera , quien posteriormente coprodujo el álbum On an Island de Gilmour. Es un buen tema roquero.
5. On the Turning Away (5:42) Musicalmente, ha sido catalogada como una power ballad o tema de rock de estadio. También se ha destacado por ser una de las canciones rítmicamente más complejas de Pink Floyd, alternando constantemente entre varios compases. Algunos críticos la han descrito como de sonido celta. Para mí, es el mejor tema del disco. Además tiene uno de los mejores solos de Gilmour.
6. Yet Another Movie (6:18) Comenzó como una pieza instrumental a la que luego se le añadieron palabras y presenta fragmentos de sonido de las películas One-Eyed Jacks (en España se estrenó como El rostro impenetrable) y Casablanca . Critica la naturaleza deprimente de Hollywood.
La canción fue escrita por David Gilmour y el productor/teclista Patrick Leonard.
7. Round and Round (1:10) es una pieza instrumental corta y repetitiva.
8. A New Machine, Part One (1:46) Sirven como contrapunto al tema instrumental " Terminal Frost " y presentan la voz de David Gilmour , distorsionada eléctricamente mediante un vocoder y una nota de sintetizador ascendente. El narrador parece expresar cansancio por una vida vivida en un solo cuerpo, esperando el momento de la muerte, pero encuentra consuelo en el hecho de que esta "espera" finalmente terminará. Tema monótono y aburrido.
9. Terminal Frost (6:17) es una pieza instrumental de David Gilmour y es la pieza más antigua del álbum, habiendo sido escrita muchos años antes. Interesante por los toques jazzy del saxo, batería y riff de Gilmour.
10. A New Machine, Part Two (0:38) Sigue como el tema 8, interrumpido por “Terminal Frost”.
11. Sorrow (8:46) la canción es uno de sus mejores trabajos líricos con los versos iniciales fueron tomados de Las uvas de la ira de John Steinbeck. El tema cierra el disco con buena nota. Lo mejor es la guitarra de Gilmour.
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| Barcaza donde se grabó el disco |
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| Portada en vinilo |
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| Portada en vinilo de los últimos años. |
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| Imagen de la gira del disco. |
THE DIVISION BELL (1994) 1. Cluster One (5:58), 2. What Do You Want from Me (4:21), 3. Poles Apart (7:04), 4. Marooned (5:28), 5. A Great Day for Freedom (4:18), 6. Wearing the Inside Out (6:48), 7. Take It Back (6:12), 8. Coming Back to Life (6:19), 9. Keep Talking (6:11), 10. Lost for Words (5:14), 11. High Hopes (8:31)
Un año después de la salida de A Momentary Lapse of Reason la banda publicó un álbum doble en directo acompañado de un vídeo del concierto, llamado Delicate Sound of Thunder, que fue grabado en una serie de conciertos en Long Island, Estados Unidos, Con el regreso de Richard Wright en 1992 (aunque ya lo había hecho en 1986), el siguiente álbum de estudio de Pink Floyd fue The Division Bell, publicado en 1994. Fue mejor recibido que A Momentary Lapse of Reason Más allá de ello, fue el segundo álbum de la banda en alcanzar el primer puesto a ambos lados del Atlántico desde Wish You Were Here The Division Bell es un álbum cuya temática gira alrededor de la comunicación y sus conflictos. Muchas de las letras fueron escritas por Polly Samson, la novia de Gilmour en aquel momento, con quien se casó poco después de la publicación de este trabajo. Anthony Moore, que había ayudado en la composición de algunas de las letras de A Momentary Lapse, compuso la de «Wearing the Inside Out», que es además la primera contribución vocal de Wright desde The Dark Side. Al año siguiente, 1995, la banda publicó un álbum en directo titulado P.U.L.S.E. que alcanzó el número uno en los EE. UU. y que contiene las canciones interpretadas en un concierto en Londres en la gira de The Division Bell, en la que se interpretó en directo el álbum The Dark Side of the Moon por completo.
El escritor Douglas Adams proporcionó el título del álbum y Thorgerson la ilustración de la portada. Thorgerson se inspiró en los monolitos Moai de la Isla de Pascua Dos rostros opuestos formaban un tercer rostro implícito sobre el cual comentó: "el rostro ausente: el fantasma del pasado de Pink Floyd, Syd y Roger"
Pink Floyd pasó más de dos semanas ensayando en un hangar en la Base de la Fuerza Aérea Norton en San Bernardino, California , antes de comenzar la gira The Division Bell el 29 de marzo de 1994, en Miami, con un equipo técnico casi idéntico al que se usó para su gira Momentary Lapse of Reason
GRAVACIÓN
La selección de canciones se hizo sobre la base de un sistema de puntuación, en el cual cada uno de los tres miembros otorgaba una puntuación del uno al diez a cada canción candidata, un plan que se torció notablemente por la decisión de Wright de conceder a sus canciones los diez puntos máximos y al resto no concederle ningún punto Contractualmente, el teclista no era miembro de plenos derechos de la banda, cosa que le molestó; Wright después dijo: "Casi llega el momento en que decidí dejar el álbum, porque sentí que no era justo lo que habíamos acordado". A pesar de su frustración decidió permanecer y recibió sus primeros créditos como compositor en un álbum.
Lanzado el 28 de marzo de 1994 a través de EMI en el Reino Unido y en Estados Unidos a través de Columbia Records. Compuesto en su gran mayoría por el guitarrista David Gilmour y el teclista Richard Wright, La grabación tuvo lugar en diversos estudios, incluyendo los Estudios Britannia Row y la casa flotante de Gilmour, Astoria. La producción contó con la ayuda de algunos incondicionales de la banda como el productor discográfico Bob Ezrin, el ingeniero de sonido Andy Jackson, el saxofonista Dick Parry y el director de orquesta Michael Kamen. Ha vendido más de doce millones de copias a nivel mundial. La canción "Marooned" ganó un Premio Grammy en la categoría de mejor instrumental.
TEMÁTICA Y TRAMA
El tema central del disco es la comunicación entre las personas, o la falta de ella, acompañado de otros temas relacionados como el aislamiento, la ambigüedad, el enfrentamiento o la autodefensa.trata acerca sobre temas relacionados con la comunicación, es decir, la idea de que muchos de los problemas de la vida se pueden solventar con el diálogo. Canciones como "Poles Apart" y "Lost for Words" a veces son interpretadas como referencias al largo distanciamiento entre el antiguo miembro Roger Waters y Pink Floyd The Division Bell se inspiró en el division bell utilizado en el Parlamento del Reino Unido, cuya utilización indica que se va a llevar a cabo una votación Producido sólo unos años después de la caída del bloque del Este, la canción "A Great Day for Freedom" yuxtapone la euforia general de, por ejemplo, la caída del Muro de Berlín, con la limpieza étnica y el genocidio que le siguió, en particular en la antigua Yugoslavia. Se utilizaron samples de la voz de Stephen Hawking para la parte hablada de la canción "Keep Talking" Gilmour oyó por primera vez las palabras del profesor en un anuncio de la televisión británica, sintiéndose tan interesado por el sentimiento de Hawking que decidió contactar con la compañía que se encargó de hacer el anuncio para pedir permiso para utilizarlo en el álbum. Enfatizando en el tema general de la falta de comunicación, al final del disco se puede oír al hijastro de Gilmour, Charlie, colgándole el teléfono al mánager de Pink Floyd Steve O'Rourke, que había estado pidiendo aparecer en el nuevo álbum (en la canción).
PORTADA
El viejo colaborador de la banda Storm Thorgerson hizo el diseño artístico para el nuevo disco. Levantó dos enormes cabezas metálicas con la medida aproximada de un autobús de dos pisos en un campo cercano a Ely. Las esculturas se colocaron juntas y fueron fotografiadas de perfil para crear la ilusión óptica de que no sólo estaban una frente a la otra o hablando, sino que también se le presentaba al espectador una tercera cara. Las esculturas fueron concebidas por Keith Breeden y construidas por John Robertson. En el horizonte, en el hueco que hay entre las bocas de las estatuas, se divisa la Catedral de Ely. Las esculturas ahora se encuentran en el Rock and Roll Hall of Fame de Cleveland, Ohio.
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Reportaje fotográfico de la construcción de las esculturas para la fotografía de la portada |
MÚSICOS
-David Gilmour – voz principal, guitarras, bajo, guitarra acústica, teclados, producción, mezclas, programación
-Nick Mason – batería, percusión, programación
-Richard Wright – teclados, piano, voz
Músicos adicionales
Jon Carin – programación y teclados adicionales
Guy Pratt – bajo
Gary Wallis – percusión
Tim Renwick – guitarras
Dick Parry – saxofón tenor
Bob Ezrin – teclados y percusión
Sam Brown – coros
Durga McBroom – coros
Carol Kenyon – coros
Jackie Sheridan – coros
Rebecca Leigh-White – coros
Polly Samson – letras
Anthony Moore – letra en "Wearing The Inside Out"
LISTA DE CANCIONES
1. Cluster One (5:58), es una pieza instrumental La canción, fue escrita por Richard Wright y David Gilmour y producida por Bob Ezrin y Gilmour.El ruido que abre la pista causó una cierta confusión entre los aficionados en 1994, que no estaban seguros, al tocar el álbum por primera vez, si su copia era defectuosa, ya que el ruido dura casi un minuto antes de que comience la música. Según una entrevista con Andy Jackson, ingeniero de grabación para el álbum, este ruido es el ruido electromagnético del viento solar. Luego viene el piano, que lo interpreta Wright. La guitarra, por parte de Gilmour, comienza al mismo tiempo que la batería, de Nick Mason. Desde el principio de la canción, se puede escuchar un pito que va cambiando de tono hasta llegar a la guitarra y batería. Es un tema muy relajado que recuerda al último que publicaron en estudio, THE ENDLESS RIVER.
2. What Do You Want from Me (4:21), Fue compuesta por Rick Wright, David Gilmour y su entonces novia (posteriormente esposa) Polly Samson. La canción es una balada lenta. Tiene una introducción de batería, y posteriormente un solo de guitarra. La canción habla de una pareja que está en una situación romántica, en la cual el hombre expresa su disposición por hacer lo imposible si hace falta. La canción hace referencia al milagro de caminar sobre el agua. El solo viene directamente de la canción "Raise My Rent", del primer álbum homónimo de David Gilmour en solitario. una canción con aires mezclados de los años 70s y 80s. En general es un tema interesant y contiene coros femeninos como los oído en Dark side of the moon.
3. Poles Apart (7:04), Las letras hablan sobre exmiembros de la banda, refiriéndose a Syd Barrett en el primer verso, y a Roger Waters en el segundo, según dice la coescritora Polly Samson. es una balada llena de ternura. La parte orquestal de Michael Kamen en el centro de la canción es otra razón de porqué vale tanto la pena saborear este disco sin prejuicios. El solo de David Gilmour es tan simple como dulce y emocional. Un tema excelente y muy emotivo.
4. Marooned (5:28),una pieza instrumental La pieza, compuesta por el entonces cantante y guitarrista David Gilmour y el teclista Rick Wright, tiene sonidos, como olas o gaviotas, que describen la estancia solitaria en una isla uno de los puntos más altos del disco Es como si le pusieras un mar de fondo a todo un conjunto de acantilados. Tema de ejecución brillante por parte de Gilmour.
5. A Great Day for Freedom (4:18) Mientras que en su mayoría alude al muro de Berlín, las letras se leen frecuentemente como un reflejo del amargo y lejano compañerismo que David Gilmour tenía con Roger Waters. tónica nostálgica y sentimental dejado al paso de Marooned, para luego finalizar con un extendido solo de David Gilmour. Aquí, después de muchos años, volvemos a ver como se materializa la voz de Richard Wright. Su voz pausada, me recuerda a ratos las formas de Syd Barrett.
6. Wearing the Inside Out (6:48), compuesta por el teclista Richard Wright, que además canta una melodía principal. Hacía muchos años que no oíamos la voz de Wright. Su voz pausada, me recuerda a de Syd Barrett. Una balada con tintes de New Age, acompañada por intervenciones de saxo en su transcurso y por la guitarra de Gilmour. No es un tema especialmente brillante pero se deja oír. Hay coros femeninos característicos del grupo. Al ser algo largo se hace monótono. Sólo se salva los riffs de Gilmour.
7. Take It Back (6:12), La letra trata sobre el daño que los seres humanos ocasionan a la Tierra y la manera en que estos daños afectan también al hombre. La canción tiene varios interludios cantados e instrumentales y en los estribillos se reduce el ritmo. Su videoclip correspondiente fue nominado a Mejor Clip del Año en la categoría de Rock en los Premios Billboard de Videoclips de 1994. mucho más rítmica, armónicamente más procesable a cualquier oído, una canción tremendamente disfrutable. Es un tema muy agradable, algo comercial, típico de rock de estadio.
8. Coming Back to Life (6:19), la canción fue escrita acerca de su esposa, Polly Samson. Gilmour escribió lo que para muchos es uno de los mejores temas del disco, de gran belleza. No lo considero especialmente brillante. Se deja oir.
9. Keep Talking (6:11), Incluye un sampleo de la voz de Stephen Hawking extraído de una propaganda de televisión de BT Extracto de Wikipedia en españo: <<BT for Global Business lanzó en 1993 un comercial en el cual se declara que los mayores logros de la raza humana se obtuvieron gracias a su capacidad para comunicarse. Para dicha campaña publicitaria se decidió contactar a Stephen Hawking para narrar el anuncio. Su voz artificial declara a lo largo del minuto y medio de metraje que “los grandes logros de la humanidad se han alcanzado hablando, y sus grandes fallas callando. No tiene que ser así”>>. Guilmour distorsiona su voz a la vez simulando lo que parece ser una voz de un ser extraterrestre. marcado aire del estilo musical New Age. Musicalmente es algo interesante pero no brillante.
10. Lost for Words (5:14) Escrita por el guitarrista y cantante principal David Gilmour y su esposa Polly Samson centrada en el perdón. Un tema agradable pero que tampoco destaca.
11. High Hopes (8:31) Sus letras hablan de cosas que se han ganado y perdido en la vida, escrita desde un ángulo autobiográfico por Gilmour. Las campanas inician el tema como en un tema de Atom heart mother. El punteo/solo de guitarra clásica, ubicado en el puente de la canción, es similar al de la canción "Welcome to the Machine" de Wish You Were Here. Es un tema muy nostálgico, llena de añoranza por años pasados. La parte final de guitarra es realmente hermosa. Dejo un extracto de Wikipedia en español que describe muy bien el tema: <<La canción narra la historia de la carrera de la banda, desde sus inicios, pasando por su grandioso éxito (con "Dark Side of the Moon" y "The Wall") hasta su ruptura y en adelante. La línea final, "The endless river, forever and ever" ("El río sin fin, por siempre y para siempre.") se une a uno de los primeros éxitos de la banda, "See Emily Play"; "Float on a river, forever and ever" ("Flota en un río, por siempre y para siempre."), mientras que la línea "The endless river" acabaría siendo el título del próximo álbum del grupo lanzado 20 años después.>> Se realizó un videoclip para la canción, dirigido por Storm Thorgerson.
Para acabar pongo un enlace para ver los clips promocionales espectaculares que se rodaron para el disco.
https://rockalia.com/es/component/muscol/video/304-pink-floyd/359-the-division-bell?Itemid=151
THE ENDLESS RIVER (2014) 1. Things Left Unsaid (4:27), 2. It's What We Do (6:18), 3. Ebb and Flow (1:56), 4. Sum (4:49), 5. Skins (2:38), 6. Unsung (1:08), 7. Anisina (3:17), 8. The Lost Art of Conversation (1:43), 9. On Noodle Street (1:43), 10. Night Light (1:43), 11. Allons-y (1) (1:58), 12. Autumn '68 (1:36), 13. Allons-y (2) (1:33), 14. Talkin' Hawkin' (3:30), 15. Calling (3:38)
16. Eyes to Pearls (1:52), 17. Surfacing (2:47), 18. Louder Than Words (6:37)
OTROS DISCOS (RECOPILATORIO Y DIRECTOS INTERESANTES)
RELICS (1971) 1. Arnold Layne (2:56) (Sencillo), 2. Interstellar Overdrive (9:43) (Original de The Piper at the Gates of Dawn), 3. See Emily Play (2:53) (Sencillo), 4. Remember a Day (4:29) (Original de A Saucerful of Secrets), 5. Paintbox (3:33) (Lado b de "Apples and Oranges"), 6. Julia Dream (2:37) (Lado b de "It Would Be So Nice", otro sencillo), 7. Careful with That Axe, Eugene (5:45) (Lado b de "Point Me at the Sky", otro sencillo), 8. Cirrus Minor (5:18) (Original de Music from the Film More), 9. The Nile Song (3:25) (Original de Music from the Film More), 10. Biding My Time (5:18), 11. Bike (3:21)
Contiene 11 canciones de sus 3 álbumes de 1967 a 1969 de la banda de rock progresivo Pink Floyd, lanzado el 14 de mayo de 1971. Contiene un total de once temas, procedentes de sus tres primeros álbumes, (The Piper at the Gates of Dawn, A Saucerful of Secrets y Music from the Film More), y material que, previamente, únicamente estaba disponible en sencillos de la banda. También incluye el tema "Biding My Time", una rareza que solamente fue tocada durante los espectáculos en directo de "The Man & The Journey" en 1969 y que se grabó el 9 de julio de 1969, en los Estudios Abbey Road.
LIVE AT POMPEII (THE DIRECTOR'S CUT) (1971-reedición 2003) 1. Echoes Pt. 1 (18:45), 2. Careful with That Axe Eugene (8:55), 3. A Saucerful of Secrets (12:17), 4. Us and Them (4:23), 5. One of These Days (11:22), 6. Madmoiselle Nobs (2:04), 7. Brain Damage (6:56), 8. Set the Controls for the Heart of the Sun (12:16), 9. Echoes Pt. 2 (14:33) Es un disco imprescindible para oír como sonaban Pink Floyd de principios de los 70. Pero es mejor ver el film con el mismo título. En disco/película en directo pero sin público. También es necesario porque contiene temas que no se editaron aún en discos en estudio.
DELICATE SOUND OF THUNDER (1988) CD1 (49:00): 1. Shine On You Crazy Diamond (11:54), 2. Learning To Fly (5:27), 3. Yet Another Movie (6:21), 4. Round And Round (0:33), 5. Sorrow (9:29), 6. The Dogs Of War (7:19), 7. On The Turning Away (7:57) CD2 (55:12): 8. One Of These Days (6:16), 9. Time (5:16), 10. Wish You Were Here (4:49), 11. Us And Them (7:22), 12. Money (9:52), 13. Another Brick In The Wall Part 2 (5:29), 14. Comfortably Numb (8:56), 15. Run Like Hell (7:12)El problema que tengo con el grupo en directo es que tocan, a pesar de tocar excelentemente con un sonido expectacular, no hay temas y versiones arriesgadas. Además tocan casi siempre los mismos hits que todo el mundo conoce y que repiten en los discos en vivo y que hemos podido por suerte ver y oír en directo, como un servidor en Barcelona en el tour de A Momentary lapse of reason.
P-U-L-S-E (1995) CD 1 (75:56) 1. Shine on You Crazy Diamond (13:30), 2. Astronomy Domine (5:25), 3. What Do You Want from Me (4:10), 4. Learning to Fly (5:06), 5. Keep Talking (6:56), 6. Coming Back to Life (6:31), 7. Hey You (4:50), 8. A Great Day for Freedom (4:20)9. Sorrow (10:30), 10. High Hopes (7:48), 11. Another Brick in the Wall: Part Two (6:50) CD 2 (69:09)
1. Speak to Me (2:28), 2. Breathe (2:40), 3. On the Run (3:41), 4. Time / Breathe (reprise) (6:48), 5. The Great Gig in the Sky (5:51), 6. Money (8:46), 7. Us and Them (7:08), 8. Any Colour You Like (3:19), 9. Brain Damage (4:02), 10. Eclipse (1:38), 11. Wish You Were Here (5:40), 12. Comfortably Numb (9:10), 13. Run Like Hell (7:58)
Este disco en directo es más interesante por el segundo cd por contener íntegro Dark side of the moon. El problema es que ya sabemos como va sonar y sin riesgos de cambio. El primer cd es interesante por versiones muy antiguas como Astronomy domine, tema excelente y magistralmente tocado.
IS THERE ANYBODY OUT THERE? (2000) CD 1 (53:35), 1. MC:Atmos (1:13), 2. In the Flesh? (3:00), 3. The Thin Ice (2:49), 4. Another Brick in the Wall, Pt. 1 (4:12), 5. The Happiest Days of Our Lives (1:39), 6. Another Brick in the Wall, Pt. 2 (6:18), 7. Mother (7:53), 8. Goodbye Blue Sky (3:14), 9. Empty Spaces (2:14), 10. What Shall We Do Now? (1:40), 11. Young Lust (5:16), 12. One of My Turns (3:41), 13. Don't Leave Me Now (4:07), 14. Another Brick in the Wall, Pt. 3 (1:14), 15. The Last Few Bricks (3:25), 16. Goodbye Cruel World (1:40) CD 2 (51:18), 1. Hey You (4:54), 2. Is There Anybody Out There? (3:09), 3. Nobody Home (3:15), 4. Vera (1:26), 5. Bring the Boys Back Home (1:20), 6. Comfortably Numb (7:25), 7. The Show Must Go On (2:34), 8. MC:Atmos (0:37), 9. In the Flesh (4:22), 10. Run Like Hell (7:04), 11. Waiting for the Worms (4:13), 12. Stop (0:32), 13. The Trial (6:00), 14. Outside the Wall (4:27)
Disco muy interesante por oír en su esplendor el grupo entero tocar íntegro The wall. Lástima que no han sacado un vídeo oficial de algún concierto de la época. También observamos que su sonido es impoluto, virtuoso, pero no arriesgado.
LIVE AT KNEBWORTH 1990 (2021) 1. Shine on You Crazy Diamond (Parts 1-5) (11:05), 2. The Great Gig in the Sky (5:05), 3. Wish You Were Here (4:48), 4. Sorrow (9:34), 5. Money (10:11), 6. Comfortably Numb (7:47), 7. Run Like Hell (7:13)Otro directo muy similar pero más corto a P-U-S-E y Delicate sound of thunder. Brillante sonido, excelente ejecución pero sin riesgos.
WISH YOU WERE HERE 50 Disc Three - Live (134:03)
15. Raving and Drooling (Live From the Los Angeles Sports Arena, 1975) (12:33)
16. You've Got to Be Crazy (Live From the Los Angeles Sports Arena, 1975) (13:49)
17. Shine on You Crazy Diamond (Pts. 1-5) (Live From the Los Angeles Sports Arena, 1975) (12:36)
18. Have a Cigar (Live From the Los Angeles Sports Arena, 1975) (4:36)
19. Shine on You Crazy Diamond (Pts. 6-9) (Live From the Los Angeles Sports Arena, 1975) (13:32)
20. Speak to Me (Live From the Los Angeles Sports Arena, 1975) (3:17)
21. Breathe (In the Air) (Live From the Los Angeles Sports Arena, 1975) (2:59)
22. On the Run (Live From the Los Angeles Sports Arena, 1975) (4:32)
23. Time (Live From the Los Angeles Sports Arena, 1975) (6:32)
24. The Great Gig in the Sky (Live From the Los Angeles Sports Arena, 1975) (6:08)
25. Money (Live From the Los Angeles Sports Arena, 1975) (8:07)
26. Us and Them (Live From the Los Angeles Sports Arena, 1975) (7:53)
27. Any Colour You Like (Live From the Los Angeles Sports Arena, 1975) (8:31)
28. Brain Damage (Live From the Los Angeles Sports Arena, 1975) (3:38)
29. Eclipse (Live From the Los Angeles Sports Arena, 1975) (2:40)
Este triple cd es la versión conmemorativa del aniversario de Wish of were here, pero comentaré el tercer cd donde oímos un concierto íntegro de la gira de ese disco con la curiosidad que tocan temas de su siguiente álbum, Animals.
On a Storyteller's Night (1985)
Brand
New Morning (2004) es el siguiente disco y es algo parecido a la
calidad del anterior pero con un bajón en comparación al Breath. En
todo caso mejora comparado a los discos de los 90. No tiene la
pequeña chispa del anterior. Suena monótono y poco inspirado.
Podría destacar el último tema, el más largo, unos 9 min., "The
Scarecrow" por ser algo más cuidada su composición. Con
cambios de tempo entre roquero y más melódico. También tiene
partes instrumentales roqueras y una hasta jazzy. Pero se hace larga.
Una lástima. En fin, no convence mucho este disco en comparación al
anterior y los de los 80.
El primer disco de esta etapa fue The visitation (2011). Los dos primeros temas, "Black Skies" y "Doors to Nowhere", prometen mucho. Buen rock suyo con vigor y pasajes instrumentales dando algo de prog. Continúa el disco con el tema epónimo, fantástico también, como los anteriores, rock vitamínico con partes más relajadas por las instrumentaciones sobre todo de los teclados. Podría ser un nuevo himno de esta nueva etapa. "Wild Angels" es el siguiente tema, también interesante, algo más melódico y pegadizo. El siguiente gran tema es el elegante, épico "The Last Frontier" con instrumentaciones de violenes y otros instrumentos de cuerda. Fantástico. "Midnight Kings" vuelve el poderío roquero excelente con partes instrumentales de instrumentos de cuerda en la parte final. Acaba el disco con "Tonight's the Night" que tiene una parte pegadiza un poco forzada y que en general no tiene la calidad de los temas comentados. Me he dejado algunos temas para comentar porque no son brillantes los que sí he comentado. En general, es un buen album, de lo mejor que han sacado desde finales de los 80.
On the 13th Day (2012) fue el siguiente trabajo de la década. Los primeros temas son notables pero sin destacar mucho o sin alguna novedad de estilo habitual. Temas roqueros, con algún pequeño destello instrumental. No son vibrantes ni esa habilidad de hacer temas pegadizos como antaño. El quinto tema, "So Let It Rain", es más interesante por la calidad de la composición, vitamínico. Sigue "Dance of the Black Tattoo" con unos ramalazos de guitarras potentes y de voz. Un tema hard muy potente y muy convincente. "Shadow Town" es un notable tema con riffs y potencia de la batería. Un buen rock. Después sobre sale también "See How They Fall" por un tema marca de la casa, potencia y buen rock. "From Within" cierra el disco, que sólo es interesante el coro de voces que acompaña el tema, pero sólo es un tema regular, podría haber sido más épico o solemne. En resumen, un disco que baja el listón del anterior, aunque no sea para menospreciar la calidad en general.
Sacred Blood "Divine" Lies (2016) El disco empieza con temas característicos de la banda: rock, algún tema más melódico con partes más contundentes. En el tercer tema, "Gypsy Queen" se luce con los riffs el guitarrista. El siguiente tema destaca un poco el "Princess in Rags (The Cult)". Le sigue el tema pausado pero bueno "Your Dreams Won't Die" con los característicos arreglos de los teclados como si fueran instrumentos de cuerda como violines. Pero, hasta a mitada del disco con este tema no hay la emoción del disco anterior que sí lo tenía también The visitation, en esta etapa del grupo. "Afraid of the Night" tiene hasta toques prog interesantes. El siguiente tema, "A Forgotten Conversation", repite los arreglos como violines en un ambiente pausado pero luego se endurece con un buen rock. "Quiet Rhapsody" no mejor mucho más, con el estilo de lEscape from the Shadow Garden (2014) fue el último disco con el batería que estuvo desde 2002 con el disco Breath of Life hasta éste, con un lapsus 2007 en el Princess Alice and the Broken Arrow, en que estuvo sólo en este disco Jimmy Copley. Magnum varió varias veces de batería desde sus inicios. . Es el primer tema "Live 'Til You Die". "Unwritten Sacrifice" "Falling for the Big Plan" "Crying in the Rain" "Too Many Clowns" "Midnight Angel" "The Art of Compromise" "Don't Fall Asleep" "Wisdom's Had Its Day" "Burning River" "The Valley of Tears" a banda, trozos roqueros y pausados. Con el penúltimo tema, "Twelve Men Wise and Just" no hay nada más novedoso ni mejora en el conjunto del disco. "Don't Cry Baby" cierra el disco. En resum, sin convencer mucho y repitiendo la fórmula, este disco no tiene la chispa que el anterior o el The visitation.
Lost on the Road to Eternity (2018) tocan nuevos miembros, que siguen en la actualidad: Lee Morris a la batería y Rick Benton a los teclados. El disco empieza con "Peaches and Cream", buen rock contundente. Es interesante el tercer tema, "Storm Baby" que alterna tipo balada y luego coge mucha fuerza. El siguiente tema es el más largo, con 8 min., "Welcome to the Cosmic Cabaret". Tiene algunos arreglos a los teclados interesante, pero el tema es con fuerza roquera. Sigue "Lost on the Road to Eternity" cantado a duo con el cantante de Avantasia, Tobias Sammet. Parecería un tema espectacular pero se queda a medias. El nuevo teclista realiza los mismos tipos de arreglos del anterior a modo de orquestales. "Without Love" empieza algo cañero con el ritmo de la batería y la guitarra. A lo largo del disco hasta ahora no avanza mucho el interés. Poca chispa e inspiración. El tema "Forbidden Masquerade" parece algo más interesante por sus cambios de ritmo y la guitarra con buenos riffs. "Glory to Ashes" . "King of the World" es el último tema y el segundo más largo, 7 min. pero no convence mucho. En resumen, este trabajo no mejora la calidad de los anteriores discos de esta década de 2010, excepto el disco The visitation, que sí es esa época el de mejor calidad. 
Serpent Rings (2020) es el último disco de la primera década. Dennis Ward es el nuevo bajista, que sustituyó a Al Barrow, que estuvo en la formació de 2001 a 2019. El resto de la banda es la misma del anterior disco. Empieza bien el disco con "Where Are You Eden?" y mejor mucho más con el excelente tema potente con interludios instrumentales de toda la banda fantástica y riff guitarreros fenomenales, "You Can't Run Faster Than Bullets". Sigue el disco muy inspirado mucho más que los cuatro anteriores con "Madman or Messiah" con otro tema potente y habilidad de los músicos especialmente el guitarra y la gran voz del cantante. El siguiente tema, "The Archway of Tears", un otro tema potente y de calidad. "Not Forgiven" es el perfecto tema pegadizo y vitamínico y pasajes más melódicos. "The Serpent Rings" es el más largo, casi 7 min. bastante interesante. El resto del disco no es tan interesante. En el penúltimo tema, "The Last One on Earth", mejora bastante por ser un tema pegadizo con partes más melódicas. El último tema, "Crimson on the White Sand" es similar a los temas anteriores. En resumen, es un disco mucho más inspirado que los anteriores, casi mejor que el primero de esa década, The visitation. Nos recupera algo el buen sabor de boca de los discos más prometedores de la década de los 80 y algunos de principios de los 2000 com el Princess Alice and the Broken Arrow, dejando claro que los menos interesantes son los de los 90. Se grabó justamente antes de la epidemia de covid-19 y debía presentarse en directo pero se cancelaron los conciertos. En los primeros meses de 2022 se presentará conjuntamente con el nuevo trabajo editado a principios de enero.
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